viernes, 27 de marzo de 2009

LA PINTURA TAMBIÉN ES ARTE CONTEMPORÁNEO


Amigos Hartistas ya está en mi blog http://www.avelinalesper.blogspot.com/ mi ponencia "La pintura también es arte contemporáneo", otro flanco que los conceptuales creen que tienen coptado. Es por la exposición de pintura "Metrópolis, el mito de la gran cuidad", realizada en el marco del 25 Festival del Centro Histórico de la Cuidad de México.

jueves, 26 de marzo de 2009

AVUI VULL SER CATALÁ

Ayer el Diario Público regogía una interesantísima noticia que se hacía eco de la comparación entre cómo se ha configurado la presencia de artistas de Cataluña para la próxima Bienal de Venecia (por CONCURSO PÚBLICO)...(si, si, es verdad, esas cosas pasan, pero en Cataluña)..., en contraposición a la de España (a dedo...ya sabeis, Barceló...)
Merece la pena leer detenidamente la noticia aquí:

http://www.publico.es/culturas/212671/proyecto/abierto/publico/transparente

También puede verse el comentario sobre esto subido hoy mismo al blog el hartista Mariano Casas

http://marianocasas.blogspot.com/

En fín, cuanto nos queda por aprender por aquí!!

lunes, 23 de marzo de 2009

Le Martisme

http://www.bib.umontreal.ca/SS/images/langues-ling-traduction-ea/traduction-babel2.jpgGracias a los esfuerzos de Nieves González Montero y Thierry Thurmel tenemos ya una magnífica traducción al francés del Manifiesto Hartista.

Nuestra intención es que el Manifiesto del Hartismo tenga buenas traducciones a otros idiomas, que no suenen a "yo Tarzán, tú Jane". Ya tenemos traducciones al gallego y al catalán, pero falta añadir las últimas correcciones. La traducción al francés que nos ha llegado -ya hace algo más de una semana- es la primera que está completa e incluye las últimas modificaciones del propio Manifiesto.

Si queréis contribuir a esta tarea de traducción, totalmente "por amor al harte", podéis contactar con nosotros en info@hartismo.com, indicando en el asunto del mensaje "traducción".

A la hora de plantear las traducciones estamos tomando como norma buscar, si es posible, una adaptación del propio nombre del movimiento "Hartismo": fartismo en gallego y portugués, fartisme en catalán... La iniciativa de Nieves y Thierry encontró, felizmente, la palabra "Martisme" que suena parecido a "Hartismo" y además mantiene el significado. Por supuesto, nuestras infinitas gracias a ambos y nuestro reconocimiento a su ingente y desinteresada labor.

No me resisto a transcribir al menos la introducción, ¡"suena" tan bien un manifiesto artístico en francés! El Manifiesto en francés, en su totalidad, está aquí, y su PDF se puede descargar aquí.

MANIFESTE MARTISTE
Contre l'anti-art, le conceptualisme, l'imposture et le culte à l'artiste égocentrique.
L'art appartient à tout le monde.


Au début de XXeme siècle chaque mouvement d'avant-garde est né de l'inquiétude d'un groupe d'artistes exprimant une serie d'intentions recuillies dans un manifeste. Normalement, ils en avaient MARRE de leur état et détaillaient leurs philos et phobias, exprimant ainsi leur idéalogie.
Aujourd'hui, après un siècle, à l'époque du prétendu triomphe de l’ Avant-garde, les mouvements artistiques ne sont que des affaires de commissaires qui parcourent les galeries et centres d'études en cherchant des "artistes émergents" qui illustrent l'idée des commissaires de ce que doit ou ne doit pas être nouveauté. Les artistes ne sont plus pris en compte. Nous sommes passes d'êtres qui protestaient et révolutionnaient le monde à n'être plus que les spectateurs du festin d'autrui.

Il y a quelques années que les mouvements artistiques de l'art officiel ne naissent plus de l'inquiétude des artistes. Et il y a quelques années que les manifestes artistiques sont considerés anachroniques. Mais aujourd'hui, plus que jamais, les artistes avons besoin d'élever nos voix et, pourquoi pas?, publier des manifestes.

NOUS en avons MARRE, comme autrefois nos arrière-grands-parents, de cette situation absurde et injuste qui est considérée comme normale dans le monde de l'art. Nous en avons marre de voir comment la peinture, le dessin et la sculpture, qui pourtant vivent un moment magnifique, sont ignorés des salons officiels d'aujourd'hui, comme s'ils n’existaient pas, comme s'ils etaient morts. Nous en avons marre de voir comment l'attention médiatique et l'argent public sont collectés par une sorte d'art et d'artistes qui ne representent qu’une infime minorité et qui ne reflettent pas la realité de notre profession. Nous en avons marre de l'art devenu spectacle de foire pour millionnaires. Nous en avons marre de l'élitisme et l'hypocrisie. Nous en avons marre de l'art officiel.

C'est pour cela que nous fondons aujourd'hui notre mouvement artistique Martisme. Et comme autrefois les (M)artistes, nous voulons nous présenter avec ce Manifeste.


miércoles, 18 de marzo de 2009

Tertulia Hartista en Ferrol el viernes 20-3-2009 a las 8,30

http://media.lavozdegalicia.es/default/2009/01/09/0012_2493775/Foto/s9c16f2.jpgEste viernes, día 20-3-2009 tendremos nuevamente la tertulia en el Café Zucre

Además de los temas que se propongan, hablaremos de las bromas y boutades en el arte, y de las próximas acciones y exposiciones del Hartismo cara al público.

Saludos. 

Nota: no os podremos pagar el viaje desde América, Barcelona, Coruña... pero si queréis venir, os recibimos encantados y hasta puede que os invitemos a un café...

martes, 17 de marzo de 2009

NUEVA TERTULIA HARTISTA EN SANTIAGO EN NUEVO LUGAR


Este JUEVES 19 de marzo, que creo que es día del padre, por cierto, (felicidades, Anxo y Manuel...y todos los hartistas padres) celebramos en Santiago de Compostela la tertulia del HARTISMO, pero en un lugar nuevo, más céntrico y con algo menos de ruido.


Será en la Cafetería GRAMOLA, (antiguo pub Generaciones), en la Plaza de CERVANTES, en el centro de la Zona Vieja de Santiago, al ladito mismo del estudio de María Meijide.


Esperamos que sea tan movida como el día anterior y con tanta concurrencia.


El tema va a ser (ya que el otro día nos fuimos por los cerros de úbeda), plantear ALGO que el hartismo pueda hacer para presentarse al público en Santiago.

Queremos celebrar un ACTO, de aquí a poco tiempo, que refleje un poco las ideas de nuestro manifiesto, un acto que no sea soltar un rollo teórico, sino HACER algo, con lo que la gente entienda de qué vamos ...

La tertulia será pues, un brainstorming colectivo en el que se aceptan y agradecen todo tipo de ideas.

Os esperamos allí a las 21 HORAS.


NO FALTEIS

domingo, 15 de marzo de 2009

Un texto de Daniel Pérez

Daniel Pérez es pintor y crítico, uno de los miembros del Hartismo de Argentina. Tiene un estupendo blog de arte, "Arte y Textos", que da gusto leer. Ayer nos envió este magnífico texto, para el segundo número de "HARTE contemporáneo", la revista del Hartismo que se editará dentro de poco.


Diez años dominados por la burbuja conceptual

Daniel Pérez / www.arteytextos.blogspot.com

http://www.mightyjoecastro.com/images/warhol_brillo.jpgAl repasar la evolución del mundo artístico desde el momento de la fundación de esta revista, ocurrida hace diez años, el fenómeno más característico que aparece frente a mi vista es la expansión de una impetuosa burbuja cultural, manifestada en el veloz crecimiento de una frondosa muchedumbre de curadores, administradores, promotores, gestores, facilitadores, teorizadores y especialistas que aspiran a mantener el mundo del arte bajo un rígido control institucional. Cohesionada por la certidumbre de que el archifamoso mingitorio de Duchamp marcó el comienzo de un cambio definitivo en la naturaleza del arte y desencadenó un imparable salto hacia el futuro, la nueva clase curatorial apoya sus prédicas en el mito del mingitorio y en el dogma de la infalibilidad del crítico norteamericano Arthur Danto, autor de la célebre y dudosa teoría de los objetos indiferenciables. El gran desafío filosófico del momento, dice Danto, consiste en determinar por qué, de dos objetos exactamente iguales e indiferenciables entre sí, uno es arte y el otro no. Danto compara la caja de Brillo que Warhol trasladó del estante del supermercado a la galería de arte con cualquiera de las muchas cajas iguales que prosiguieron su destino en las estanterías del supermercado. Son iguales pero diferentes, dice Danto, porque la caja elegida por Warhol se transformó en una obra de arte, en tanto que la otra caja siguió siendo un simple producto de limpieza. http://www.collegeart.org/images/ArthurDanto.jpgPensar que un objeto cualquiera pueda convertirse en una obra de arte sólo porque a un artista se le da la gana suena bastante poco sensato, pero Danto está convencido de que es así, aunque no intenta demostrarlo. Se limita a afirmarlo, y le otorga a su convicción personal el carácter de una demostración objetiva o de una verdad universal. “Muchos dijeron entonces que lo que Warhol había hecho no era realmente arte, pero yo estaba convencido de que era arte”, escribe. Y agrega: “La verdadera pregunta filosófica… es cómo evitar su simple disolución en la realidad”. Esto último es muy pertinente, porque resulta inevitable presumir que si la caja de Brillo vuelve al estante del supermercado nadie podrá reconocerla como una obra de arte. Pero Danto no se da por vencido ante ese pequeño escollo y sigue afirmando que la caja de Brillo es arte, aunque no propone ninguna razón para probar su hipótesis. La caja de Warhol es arte, nos dice, “porque yo estaba convencido de que era arte”. La otra no, y punto. Se trata de la misma lógica que transformó al mingitorio de Duchamp en una obra de arte: es arte porque lo eligió Duchamp, y Duchamp es un artista porque convirtió un simple mingitorio en una obra de arte. Lo mismo puede decirse de Damien Hirst: el tiburón es arte porque Hirst lo dijo, y Hirst es un artista porque transformó al tiburón en arte, y porque el magnate Abramovich pagó por él diez millones de libras. http://img2.travelblog.org/Photos/1408/6082/f/22500-Semana-Santa-Procession-0.jpgEste razonamiento circular es aparentemente fácil de entender, pero a mí me resulta tan inalcanzable como la más remota de las galaxias. ¿Por qué debo creer que una caja es arte y la otra no? ¿Y por qué debo creer que el bendito mingitorio y el tiburón son obras de arte? ¿Sólo porque el beneficiario de una burbuja inmobiliaria, financiera o petrolera pagó diez millones de libras? ¿Acaso Warhol y Duchamp tenían la varita mágica que convierte en arte todo lo que toca? Por más que me rompa la cabeza, el asunto me resulta tan indescifrable como los pensamientos de un erizo de mar. A veces tiendo a creer que la clave del arte conceptual gira en torno de tres posibilidades; a) es una gran tomadura de pelo; b) es un complot armado por Duchamp, Warhol y Damien Hirst para proveer a los medios de comunicación de las noticias estrafalarias y absurdas que complementan los asuntos políticos y policiales; c) es, tal vez, una nueva religión. Esta última hipótesis me parece bastante plausible, porque las religiones son una cuestión de fe, y los creyentes no suelen poner el tema de los milagros bajo la lupa de la racionalidad. Ante la carencia de argumentos racionales, se debe tener fe en algún conocimiento secreto que Danto no puede revelar al resto de los mortales, y que le permite asegurar que la caja de Brillo es una obra de arte. En otras palabras, se debe tener fe en que Warhol tiene el poder de convertir en arte todo lo que toca, y que Duchamp también lo tenía. Y para continuar se debe tener fe en que los llamados nuevos medios (performances, ensayos digitales, fotografías, street art, videos y el sinfín de ocurrencias que se irán agregando bajo los generosos y falaces rótulos de exploración, investigación o reflexión) también son arte. http://www.artline.ro/admin/_files/newsannounce/Koons-Hanging-Heart.jpgDe esta manera entramos de lleno en la dimensión religiosa, que nos obliga a aceptar la ilusión del arte a pesar de que las cosas que se presentan bajo ese rótulo y las afirmaciones en las que se apoyan adolecen de una absoluta falta de sentido. Mi problema es que la apelación a la fe me hace sentir tan estúpido como un comprador de talismanes para adelgazar o de jarabes para rejuvenecer. Me explico: como cualquier ciudadano común y corriente disfruto de las buenas novelas, los relatos cinematográficos bien construidos, los ensayos inteligentes y reveladores y las pinturas hechas en las grandes épocas del arte con un virtuosismo que parece sobrehumano. Tengo la total seguridad de que a un espíritu despierto le basta con ver una sola vez una obra de Leonardo, Rembrandt o Caravaggio para recibir una impresión que lo acompañará durante el resto de su vida, y estoy igualmente convencido de que la casi totalidad del arte contemporáneo se fuga de nuestra memoria al minuto siguiente de verlo. El arte de aquellos maestros (las llamadas disciplinas canónicas, que los profetas del arte oficial consideran definitivamente superadas) tenía un deber de inteligibilidad y comunicación racional basado en límites, reglas y objetivos bien establecidos, que definían su identidad tal como pasa en las ciencias duras, los deportes competitivos, el cine y la literatura. Esos límites y reglas fijan el marco racional que nos permite entender el acontecimiento, evaluar su calidad y establecer cuáles son los actores más dotados; si borramos esas reglas y límites ingresamos a la dimensión del absurdo y el sinsentido, donde nada tiene significado y todo se torna igualmente olvidable. Para ser conmovido y experimentar una emoción estética necesito, como cualquier ciudadano corriente, entender lo que se ofrece a mi entendimiento, y para entenderlo necesito que la obra exprese por sí misma su contenido y me trasmita su peculiar visión del mundo merced a la eficacia de sus medios. Lo paradójico e irónico del caso es que luego del vaciamiento de sentido provocado por el afán de abolir los límites del arte y por la consiguiente afirmación de que cualquier cosa puede ser una obra de arte, los responsables de ese vaciamiento se adjudicaron la función de fabricar interpretaciones, lecturas y teorías destinadas a llenar el vacío que ellos mismos habían generado. Otra paradoja es la proliferación de nuevas carreras universitarias que ofrecen la formación de curadores, administradores, promotores, gestores, facilitadores, operadores, teorizadores y críticos multimediáticos, mientras en el otro extremo de la ecuación el rol de los artistas se devalúa cada vez más y tiende a confinarse en la mera ilustración de las propuestas curatoriales. Un viraje tan dramático en la orientación del mundo artístico merece, creo, una seria indagación sobre sus causas y consecuencias. Al exacerbar la ilusión del arte concebido como un poder mágico, capaz de transformar en obra de arte a cualquier objeto, disciplina o atributo de la realidad, resulta inevitable que el valor artístico sufra un severo desplazamiento, y que los artistas y sus obras tiendan a hundirse en la irrelevancia. Una vez que ha logrado apropiarse nada menos que de la construcción de sentidos, la nueva burocracia de curadores y teorizadores convierte a los artistas y sus obras en pretextos intercambiables: tanto da uno como otro, porque lo verdaderamente importante es el guión curatorial. Hoy proponen una “reflexión” sobre los efectos de la deforestación intensiva o la situación de la mujer, y mañana llamarán a “investigar” o “explorar” los procesos de legitimación artística, el calentamiento global o el comportamiento del mercado de arte. Es evidente que toda la miga del asunto está en la convocatoria. Sometidos a esa dinámica, muchos jóvenes artistas emergen con grandes expectativas sólo para ser velozmente sumergidos, y los réditos de la operación pasan a engrosar la cuenta corriente del curador. La última paradoja, nada menor, por cierto, es el hecho de que esas estrategias se llevan a cabo invocando la libertad de pensamiento, como si no existiera el inviolable corsé ideológico que establece la sujeción al dogma duchampiano, cuya recusación coloca a los heréticos fuera del marco institucional. Recuerdo una anécdota que ilustra muy bien ese punto: hace unos años me sorprendió saber que el consejo superior de la facultad de ciencias sociales de la UBA había propuesto POR UNANIMIDAD el nombramiento de Fidel Castro como doctor honoris causa. Poco después, al encontrarme con un amigo sociólogo le expresé mi extrañeza:
–¿Cómo puede ser que en el consejo superior de tu facultad todos piensen igual?
–Estás equivocado; hay muchas posiciones diferentes.
–Pero propusieron nombrar doctor honoris causa a Fidel Castro, ¡POR UNANIMIDAD!
–Ah, eso sí; hay muchas divergencias, pero con Fidel estamos todos.
La explicación le cabe perfectamente a la burbuja tribal e irracionalista del arte contemporáneo, que fagocita instituciones, bienales y museos en todo el mundo: hay muchas posiciones pero con Marcel estamos todos. La clave de la cuestión reside en la lógica interna de las instituciones adversas al pluralismo, que se organizan en torno de un conjunto de ideas centrales elevadas a la categoría de dogma y ungidas con la lógica de la bola de nieve. La ideología dominante baja de la cúpula con una fuerza gravitatoria que crece a toda velocidad y arrastra cuanto se le pone por delante, con el resultado de que la libertad de pensamiento sólo tiene vigencia efectiva entre quienes comparten la ideología oficial. A los disidentes, prolijamente ninguneados y sometidos al procedimiento silencio, les aguarda el desamparo de la intemperie, donde paradójicamente encuentran la verdadera libertad de pensamiento, porque para pensar libremente es imprescindible estar solo y estar afuera. Es en ese marco libre de coerciones donde se hace posible la verdadera libertad de pensamiento, un factor esencial para el desarrollo de la genuina obra artística, que es un hecho estrictamente individual. Cuando siento la tentación de revivir la emoción del reencuentro con esa clase de obras, que no corren ningún riesgo de disiparse en la realidad porque han sido ejecutadas dentro de la decantada racionalidad y los sabios límites de las disciplinas canónicas, me olvido de la burbujas y vuelvo al Museo de Bellas Artes, al Sívori, a la colección Fortabat y a los numerosos talleres y galerías de Buenos Aires que siguen guardando y construyendo la belleza, la sugestión y la racionalidad de la buena pintura, y no se avergüenzan de ella.

jueves, 12 de marzo de 2009

Naturaleza muerta con formol

Avelina Lésper nos envía este estupendo artículo de Enrique Serna
(pulsa sobre cada página para ampliar):


http://lh6.ggpht.com/_OZB6zqEi8cc/SbhFdBl1FHI/AAAAAAAACYQ/CWXSyOB9nRM/naturalezamuertaconformol1.jpghttp://lh4.ggpht.com/_OZB6zqEi8cc/SbhFfaP-ToI/AAAAAAAACYY/NPQfQ8S8iB0/naturalezamuertaconformol2.jpg

lunes, 9 de marzo de 2009

CONVOCATORIA.

Ceal Floyer, Helix (2002)
CONVOCATORIA


A todos los ciudadanos interesados en el arte para crear el fondo de ayuda de emergencia para el Arte Conceptual Contemporáneo y apoyar esta noble actividad.

TÚ PUEDES PARTICIPAR.


Como consecuencia de esta crisis las personas están reciclando y tirando menos objetos a la basura, por lo que los artistas y curadores se ven seriamente afectados en la materia prima de sus obras. Por lo tanto convocamos a la sociedad civil para que ayude en esta situación dejando su basura y desperdicios en los “Contenedores del Arte” que estarán en los siguientes museos:

En un intercambio cultural tendrán un “Contenedor del Arte”:

En España:
Museo Reina Sofía de Madrid.
Espai d’Art Contemporani de Castelló.
Museo Guggenheim de Bilbao.
CGAC - Santiago de Compostela.
Museo Marco - Vigo.
MACBA, Barcelona.
En USA:
New Museum, New York.
Whitney Museum, New York.
En GB:
Tate Modern, London.
En México:
Museo Tamayo.
Museo Carrilo Gil.
Museo Arte Alameda.
Ex Teresa Arte Actual.
MUAC.
MUCA.
El Eco.
Colección Jumex.
MACO de Monterrey.

Necesitamos que dones:
Envases de plástico vacíos y sus tapas.
Animales muertos.
Ropa sucia, en especial ropa interior.
Juguetes y muebles rotos.
Heces fecales humanas y animales.
Sábanas y cobijas sucias.
Alimentos en descomposición (para Antoni Miralda).
Aparatos eléctricos descompuestos como ordenadores, televisiones, radios etcétera.
Latas y cajas vacías. (Estas se van a la retrospectiva de Gabriel Orozco).
Basura en general.


Todo eso que TÚ crees que no sirve para nada, le sirve a un artista visual y su curador porque ellos van a vincular al arte con la sociedad motivando la reflexión ante el mundo aislado en que vivimos. Participarás de la transustantación de la basura en arte y además ayudarás a alimentar la fuente de inspiración de miles de artistas. Con tu aportación el arte contemporáneo se verá beneficiado y tú te desharás de tu basura. Gracias a tu participación tú también serás un artista, ya que si reconoces tu basura en una instalación u obra te daremos un certificado de co-autor. (A.L.)
Consejo Ciudadano Pro-Arte Conceptual.


jueves, 5 de marzo de 2009

Tertulia hartista en Ferrol - Viernes 6 de Marzo

Hola, muchachada, mañana 6 de Marzo, en Ferrol volvemos a celebrar la tertulia quincenal. A las 8,30, como siempre, en Cafetería Zucre (Magdalena 170).

Los temas, los que nos han quedado en el tintero:

Texto de Javier Marías: ¿arte callejero sí o no? Tunick, Christo, Botero y Cow Parade. El Graffiti.

Warhol y Beuys: ¿dos caras del mismo fenómeno?

Por supuesto, si os queda lejos entenderemos que faltéis. Y si os queda cerca también... aunque os cobraremos el impuesto correspondiente por no asistir... (es broma).

Saludos hartistas


TERTULIA HOY JUEVES 05-03-2009 EN SANTIAGO

Hola, también os recordamos que HOY A LAS 21 HORAS EN EL CAFÉ CANDINGA EN SANTIAGO se celebra una nueva tertulia hartista.

Os esperamos allí, y querríamos plantear un tema inicial que es el de las POLÍTICAS CULTURALES: ¿creeis que el modelo de Museo actual es el adecuado- hablando de arte contemporáneo -(actual)...?¿Está bien que se subvencione o se ayude al arte, y de ser así, CÓMO se puede hacer?y ¿a QUIEN Y QUIEN lo debe decidir?...¿CÓMO puede una administración cultural ser más rigurosa y evitar la habitual desconfianza del espectador ante la simple visión de las palabras "arte" y "contemporáneo" juntas?¿Ayudan las instituciones públicas a difundir el arte y la cultura?¿hay transparencia en ellas?...


Si da tiempo, me gustaría apropiarme de una idea de Anxo en su tertulia de mañana en Ferrol, donde van a debatir sobre el arte callejero, a raiz del polémico artículo de Javier Marías.
Creo que este también es un debate interesante, en el que seguro habrá múltiples enfoques dentro del propio hartismo.

Sedme puntuales sino no da tiempo a hablar de tantas cosas..

Bueno, y si no da tiempo, otra vez será


Saludos

martes, 3 de marzo de 2009

Las tres claves para entender el declive del arte oficial

http://img.dailymail.co.uk/i/pix/2007/06_01/hirstPA_468x349.jpgAunque desde el circuito oficialista se quiera dar siempre una sensación de fortaleza, de tenerlo todo dominado, aunque los pintores sigamos teniendo que buscarnos la vida fuera de las salas de primera categoría, fuera del apoyo de los políticos porque el neoconceptualismo sigue siendo lo que les dicen sus asesores que es "moderno" y "guay", lo cierto es que hay un síntoma inequívoco de su inminente caída y el retorno de la pintura: su creciente agresividad hacia el "enemigo".

Si hace unas décadas, para criticar a Antonio López, la crítica postmoderna exhibía un irónico desdén o una fingida indiferencia, y sus críticas eran del estilo "Antoñito", el niño mimado del PSOE... ahora sus cachorros, los herederos, los garantes de la continuidad del reino conceptual, están empezando a perder los estribos. Según hemos estado comentando en Lérias Várias, uno de los blogs hartistas, hay tres pilares, tres claves que están delatando un aumento de la agresividad, que es síntoma de miedo, y por tanto de que la posición de dominio sobre el mundillo artístico que hasta ahora ejercían los teóricos conceptualistas está cercana al final.

Son tres más que ninguna, las cosas que cabrean hasta el infinito -y más allá- a esta gente:
  1. La pintura contemporánea, imparable. No pueden soportar que la pintura, que se suponía muerta y enterrada, o al menos domesticada, resista. Y que encima guste. Pero si algo no tiene perdón de su dios es que haya pintores que tengan éxito. Incluso mucho éxito. Indefectiblemente, la plana mayor neoconceptualista se lanza, rebosando bilis, a atacar con saña. Porque hay pintores que destacan, y mucho: sus obras rivalizan con las grandes chorradas tipo Hirst como obras más caras vendidas en las subastas, pero que además son apreciadas por el público y los museos las atesoran con fruición. Por si esto fuera poco, a pesar de su control, cada vez el gran público puede acceder más fácilmente (Internet, publicaciones...) a la obra de autores denostados o malditos por el sistema como Igor Mitoraj, Antonio López, Balthus, Freud, Kitaj, Wyeth, Hundertwasser... También, cada vez más, los pintores actuales, jóvenes en muchos casos, se van abriendo hueco y aparecen en la prensa pese a la "tutela" que la secta duchampiana ejercía en los medios. Encima, las voces unidas de stuckistas, hartistas, y otros grupos que surgen espontáneamente, van reclamando para la pintura un lugar relevante, sacándola de los ghethos que específicamente fueron creados para satisfacer la sed pictórica del populacho, los únicos sitios tolerados para mostrar el arte supuestamente inferior, muerto y caduco: los muros para la pintura callejera (graffiti), los bares y cafeterías, las salas de tercera regional para la pintura de caballete... Porque empezamos a decir que no nos vale: los pintores somos exactamente igual de contemporáneos que nuestros competidores de la instalación, el video-arte o la performance. Y queremos exponer, como ellos, en el CGAC, en el Reina Sofía o las grandes fundaciones, sin tener que esconder nuestro arte bajo algún disfraz postmoderno que les "mole" a los patrones (pintura-pintura, copia de fotos con medios exóticos, reflexion irónica y superficial sobre los temas "trascendentes" de siempre: lo social, político, sexual y demás asuntos referentes a la corrección política para que los cuadros no parezcan lo que son). Evidentemente, los que manejan el "circuito" no están dispuestos a quitar del museo una sola lata llena de mierda para dejar sitio a un cuadro, y les parece intolerable nuestra pretensión. Pues es real: queremos que la pintura ocupe el lugar que le corresponde, tener igualdad de oportunidades con toda la basura postmoderna (y conste que uso "basura" como mera descripción de los diversos objetos sin valor que suelen verse tirados en el suelo en los museos de arte contemporáneo, no como ofensa).

  2. La pérdida del miedo a opinar por parte del público. Cada vez menos gente se cree el rollo ese de "yo entiendo y todos vosotros no", esgrimido por los "expertos" de turno.

  3. Pero si hasta ahora eran capaces de mantener a los pintores calladitos, dentro de sus ghettos y el público relegado a creerse ignorante, porque sabían inexpugnable la fortaleza de sus postulados teóricos, ahora se ven indefensos. Y tienen miedo; porque ya no hay una sola voz, monolítica. Parte de la crítica, la historia del arte, el periodismo, la filosofía, ha dejado de escribir a medida de ellos, según los intereses del lobby del arte contemporáneo. Y eso ha sido la gota que colmó el vaso. Se ven ya replegándose en sus posiciones, antes de huir en estampida, "como vacas desnortás", que dirían los de Muchachada Nui.
A continuación transcribo parte de la conversación en Lérias Várias en la que precisamente se habla de los miedos -confesados- de los críticos conceptualistas y además se formulan los tres puntos clave mencionados:
Blogger Dimo Java-Lee Garcia dijo...

En este blog http://arte-nuevo.blogspot.com/ acabo de escuchar una entrevista, algo larga pero de interés, trata de la crítica de arte en México.

Da pistas sobre el pensamiento manejado por los gurús del arte contemporáneo en este país.

Estaba escuchando esta entrevista y luego de media hora de alocución del crîtico Cuauhtémoc Medina, ¡oh sorpresa! escuché que esta eminencia del arte contemporáneo aclaraba sobre la disidencia que lo atormenta:

“el primer discurso es que hay una exclusión de los verdaderos artistas que operan como Miguel Ángel, hay una mujer increíblemente... este... el problema no es de ignorancia, es corta de deseos, se llama Avelina Lesper. ”

3 de marzo de 2009 9:44

Suprimir
Blogger Anxova dijo...

Hay dos cosas que están acabando con ellos, lo cual se delata por el tono, les hace desesperarse, gritar... se ven sus sentimientos verdaderos, que permanecen ocultos bajo una sonrisa hipócrita por capas y más capas de compostura postmoderna, fina ironía, cinismo...

Una de ellas es el empuje de la pintura contemporánea, imparable. Nada les jode más que ver pintar, que ver que un pintor triunfa. Es una constante:

Comentarios de esta noticia

Artículo sobre Wyeth

La otra, evidentemente, es que la teoría, su única defensa, se vuelva contra ellos. Avelina Lésper es uno de los casos, y brillante, de lo que tú mismo bautizaste como "crítica anti-corrupta".

Eso tampoco lo soportan, porque su base teórica, hasta ahora intocable por críptica e incomprensible, en realidad es sumamente débil, inconexa, poco rigurosa. No aguanta el embate de un análisis serio desde un punto de vista filosófico, histórico, ni por supuesto estético.

El tercer pilar de su agonía es que el gran público pierda el miedo a opinar que hasta ahora atenazaba sus voces, y mantenía secuestrado el debate sobre arte contemporáneo. Temen a la gente, a que haya una rebelión contra el status quo ya consumado. También un aumento en la agresividad de los creyentes es aquí síntoma de su miedo: si antes se conformaban con decir "tú no entiendes y yo sí", ahora directamente pasan a insultar al público, llamando cateto, pailán o directamente imbécil a quien ose cuestionar sus dogmas de fe sagrados.



Pero los síntomas hablan por sí mismos: por el nivel de enfado que ahora están empezando a mostrar públicamente, por esa pérdida del autocontrol, parece que su fin es más inminente de lo que todos nosotros habíamos especulado.

3 de marzo de 2009 10:54


Así que, si queremos contribuir a que las palabras "arte" y "contemporáneo" juntas dejen de inspirar desconfianza, tenemos tres medios a nuestro alcance:
  1. Público: opinad libremente sobre arte, basta con que seáis sinceros.
  2. Críticos, Historiadores, teóricos...: escribid libremente sobre arte, basta con que seáis sinceros.
  3. Pintores: pintad libremente, haced arte, basta con que seáis sinceros.
Poco importa que lo dicho sea afín al Hartismo o no, el simple hecho de decir algo diferente de la versión oficial, de hacer uso del propio cerebro es suficiente. Nada les jode más.

domingo, 1 de marzo de 2009

TERTULIA EN SANTIAGO (ahora sí) EL jueves 5 DE MARZO A LAS 21 HORAS...DÍAS DE VINO Y ARTE



Hola a todos...esta semana se iba a celebrar la terulia habitual del HARTISMO en Santiago de Compostela, en la Cafetería Candinga, en la Calle Virxe da Cerca, como siempre, a las 20 30 horas, pero al final no hubo quorum (mea culpa, que avisé un poco trade, estaba de viaje), así que se pospuso la cosa para esta semana que entra, en concreto para el JUEVES 5 en el mismo lugar, pero un poco más tarde, A LAS 21 HORAS, para que a nuestro colega Méndez le dé tiempo a venir del trabajo...


Os esperamos allí, y querríamos plantear un tema inicial que es el de las POLÍTICAS CULTURALES: ¿creeis que el modelo de Museo actual es el adecuado- hablando de arte contemporáneo -(actual)...?¿Está bien que se subvencione o se ayude al arte, y de ser así, CÓMO se puede hacer?y ¿a QUIEN Y QUIEN lo debe decidir?...¿CÓMO puede una administración cultural ser más rigurosa y evitar la habitual desconfianza del espectador ante la simple visión de las palabras "arte" y "contemporáneo" juntas?¿Ayudan las instituciones públicas a difundir el arte y la cultura?¿hay transparencia en ellas?...

Son preguntas que aparecen muchas veces en nuestros blogs, pero que creemos que es interesante debatir entre todos y ofrecer o buscar soluciones que puedan luego reflejarse de nuevo en nuestro blog y rediscutirse fuera del ámbito compostelano.


Y bueno, de paso que charlamos nos tomaremos unos cacharros y también podemos organizar una ronda de visitas a nuestros respectivos talleres, donde cada anfitrión únicamente se comprometerá a cumplir una máxima: Dar de beber a los demás...
Estais, por supuesto, todos (hartistas o no) invitados a esta ronda de PERFORMANCES que se anunciará también en el blog y a la que iremos dando forma ese dia 5 en el Candinga

Allí nos veremos
Cómo nos vamos a poner...!

Tertulia de Ferrol del día 27-02-2009

Este viernes hemos celebrado -por fin- la tertulia que llevábamos atrasada. Han asistido Manolo Piñón, profesor universitario en Ferrol, los hartistas Evaristo Vila y Juan Muñoz Saenz, del grupo de Ferrol-Ortigueira, y dos profesoras del Instituto Concepción Arenal (de literatura gallega y educación física) y yo mismo.

Hemos charlado en primer lugar sobre el Hartismo, ya que las nuevas incorporaciones a la tertulia no conocían el movimiento más que de oídas. Hemos hablado luego sobre si el arte visual debe entrar por la vista o por un discurso teórico. En general hemos coincidido en que si bien el saber no ocupa lugar, y es cierto que los conocimientos sobre historia del arte, iconografía, incluso la Historia Sagrada o la literatura pueden ayudar a prolongar la experiencia, el arte debe conquistar primero los sentidos.

Después hemos hablado sobre Beuys, aunque Warhol quedó en el tintero. Se habló de fetichismo, del club de fans de lo extravagante, dispuestos a tragar con lo que sea si eso los distingue de la plebe. También hablamos de las fortunas gastadas en arte contemporáneo, y de lo chic que resulta gastar mucho dinero justo en lo que se sabe que no tiene valor alguno. No hay mayor demostración de poderío.

También aparecieron otros temas no previstos, como la comparación entre arte y deporte. De cómo en deporte la formación en determinadas escuelas de élite permite llegar a las más altas cotas a un individuo, mientras que otro con las mismas cualidades, si no llega a esas escuelas se quedará fuera de la alta competición. En arte el impulso individual de un artista, su intuición puede proporcionarle una más que satisfactoria guía formativa -aunque en esto no había acuerdo, algunos defendíamos la formación frente a la autodidáctica. También hablamos de cómo las marcas en deporte son baremos objetivos, mientras que en arte no hay esa posibilidad de objetivación en la práctica.

Por último tratamos por encima el texto de Marías. En general lo hemos visto como una reflexión personal, que si bien algunos nos sentimos identificados en ciertos fragmentos (por ejemplo, cuando habla de su visita a los museos de arte contemporáneo) no compartimos en otros (por ejemplo, cuando menciona la imposición del arte callejero). No hemos profundizado en ello, porque ya nos íbamos, pero en general no compartimos los gustos de Javier Marías: a todos nos gustaba la escultura de Botero -no tanto su pintura- en mayor o menor medida, la "Cow Parade" nos resultaba alegre, aunque algunas vacas puedan resultar horteras o simplonas y otras ingeniosas, y no nos parece propiamente algo "artístico" sino festivo. Respecto a Tunick o Christo había diferentes opiniones respecto al resultado estético, pero tampoco nos parecía tan mal.

Pero en fin, el viernes que viene -que repetimos tertulia en Ferrol- supongo que empezaremos justo en esto.