Gracias a los esfuerzos de Nieves González Montero y Thierry Thurmel tenemos ya una magnífica traducción al francés del Manifiesto Hartista. MANIFESTE MARTISTE
Contre l'anti-art, le conceptualisme, l'imposture et le culte à l'artiste égocentrique.
L'art appartient à tout le monde.
Au début de XXeme siècle chaque mouvement d'avant-garde est né de l'inquiétude d'un groupe d'artistes exprimant une serie d'intentions recuillies dans un manifeste. Normalement, ils en avaient MARRE de leur état et détaillaient leurs philos et phobias, exprimant ainsi leur idéalogie.
Aujourd'hui, après un siècle, à l'époque du prétendu triomphe de l’ Avant-garde, les mouvements artistiques ne sont que des affaires de commissaires qui parcourent les galeries et centres d'études en cherchant des "artistes émergents" qui illustrent l'idée des commissaires de ce que doit ou ne doit pas être nouveauté. Les artistes ne sont plus pris en compte. Nous sommes passes d'êtres qui protestaient et révolutionnaient le monde à n'être plus que les spectateurs du festin d'autrui.
Il y a quelques années que les mouvements artistiques de l'art officiel ne naissent plus de l'inquiétude des artistes. Et il y a quelques années que les manifestes artistiques sont considerés anachroniques. Mais aujourd'hui, plus que jamais, les artistes avons besoin d'élever nos voix et, pourquoi pas?, publier des manifestes.
NOUS en avons MARRE, comme autrefois nos arrière-grands-parents, de cette situation absurde et injuste qui est considérée comme normale dans le monde de l'art. Nous en avons marre de voir comment la peinture, le dessin et la sculpture, qui pourtant vivent un moment magnifique, sont ignorés des salons officiels d'aujourd'hui, comme s'ils n’existaient pas, comme s'ils etaient morts. Nous en avons marre de voir comment l'attention médiatique et l'argent public sont collectés par une sorte d'art et d'artistes qui ne representent qu’une infime minorité et qui ne reflettent pas la realité de notre profession. Nous en avons marre de l'art devenu spectacle de foire pour millionnaires. Nous en avons marre de l'élitisme et l'hypocrisie. Nous en avons marre de l'art officiel.
C'est pour cela que nous fondons aujourd'hui notre mouvement artistique Martisme. Et comme autrefois les (M)artistes, nous voulons nous présenter avec ce Manifeste.
Este viernes, día 20-3-2009 tendremos nuevamente la tertulia en el Café Zucre
Al repasar la evolución del mundo artístico desde el momento de la fundación de esta revista, ocurrida hace diez años, el fenómeno más característico que aparece frente a mi vista es la expansión de una impetuosa burbuja cultural, manifestada en el veloz crecimiento de una frondosa muchedumbre de curadores, administradores, promotores, gestores, facilitadores, teorizadores y especialistas que aspiran a mantener el mundo del arte bajo un rígido control institucional. Cohesionada por la certidumbre de que el archifamoso mingitorio de Duchamp marcó el comienzo de un cambio definitivo en la naturaleza del arte y desencadenó un imparable salto hacia el futuro, la nueva clase curatorial apoya sus prédicas en el mito del mingitorio y en el dogma de la infalibilidad del crítico norteamericano Arthur Danto, autor de la célebre y dudosa teoría de los objetos indiferenciables. El gran desafío filosófico del momento, dice Danto, consiste en determinar por qué, de dos objetos exactamente iguales e indiferenciables entre sí, uno es arte y el otro no. Danto compara la caja de Brillo que Warhol trasladó del estante del supermercado a la galería de arte con cualquiera de las muchas cajas iguales que prosiguieron su destino en las estanterías del supermercado. Son iguales pero diferentes, dice Danto, porque la caja elegida por Warhol se transformó en una obra de arte, en tanto que la otra caja siguió siendo un simple producto de limpieza. 
Pensar que un objeto cualquiera pueda convertirse en una obra de arte sólo porque a un artista se le da la gana suena bastante poco sensato, pero Danto está convencido de que es así, aunque no intenta demostrarlo. Se limita a afirmarlo, y le otorga a su convicción personal el carácter de una demostración objetiva o de una verdad universal. “Muchos dijeron entonces que lo que Warhol había hecho no era realmente arte, pero yo estaba convencido de que era arte”, escribe. Y agrega: “La verdadera pregunta filosófica… es cómo evitar su simple disolución en la realidad”. Esto último es muy pertinente, porque resulta inevitable presumir que si la caja de Brillo vuelve al estante del supermercado nadie podrá reconocerla como una obra de arte. Pero Danto no se da por vencido ante ese pequeño escollo y sigue afirmando que la caja de Brillo es arte, aunque no propone ninguna razón para probar su hipótesis. La caja de Warhol es arte, nos dice, “porque yo estaba convencido de que era arte”. La otra no, y punto. Se trata de la misma lógica que transformó al mingitorio de Duchamp en una obra de arte: es arte porque lo eligió Duchamp, y Duchamp es un artista porque convirtió un simple mingitorio en una obra de arte. Lo mismo puede decirse de Damien Hirst: el tiburón es arte porque Hirst lo dijo, y Hirst es un artista porque transformó al tiburón en arte, y porque el magnate Abramovich pagó por él diez millones de libras. 
Este razonamiento circular es aparentemente fácil de entender, pero a mí me resulta tan inalcanzable como la más remota de las galaxias. ¿Por qué debo creer que una caja es arte y la otra no? ¿Y por qué debo creer que el bendito mingitorio y el tiburón son obras de arte? ¿Sólo porque el beneficiario de una burbuja inmobiliaria, financiera o petrolera pagó diez millones de libras? ¿Acaso Warhol y Duchamp tenían la varita mágica que convierte en arte todo lo que toca? Por más que me rompa la cabeza, el asunto me resulta tan indescifrable como los pensamientos de un erizo de mar. A veces tiendo a creer que la clave del arte conceptual gira en torno de tres posibilidades; a) es una gran tomadura de pelo; b) es un complot armado por Duchamp, Warhol y Damien Hirst para proveer a los medios de comunicación de las noticias estrafalarias y absurdas que complementan los asuntos políticos y policiales; c) es, tal vez, una nueva religión. Esta última hipótesis me parece bastante plausible, porque las religiones son una cuestión de fe, y los creyentes no suelen poner el tema de los milagros bajo la lupa de la racionalidad. Ante la carencia de argumentos racionales, se debe tener fe en algún conocimiento secreto que Danto no puede revelar al resto de los mortales, y que le permite asegurar que la caja de Brillo es una obra de arte. En otras palabras, se debe tener fe en que Warhol tiene el poder de convertir en arte todo lo que toca, y que Duchamp también lo tenía. Y para continuar se debe tener fe en que los llamados nuevos medios (performances, ensayos digitales, fotografías, street art, videos y el sinfín de ocurrencias que se irán agregando bajo los generosos y falaces rótulos de exploración, investigación o reflexión) también son arte. 
De esta manera entramos de lleno en la dimensión religiosa, que nos obliga a aceptar la ilusión del arte a pesar de que las cosas que se presentan bajo ese rótulo y las afirmaciones en las que se apoyan adolecen de una absoluta falta de sentido. Mi problema es que la apelación a la fe me hace sentir tan estúpido como un comprador de talismanes para adelgazar o de jarabes para rejuvenecer. Me explico: como cualquier ciudadano común y corriente disfruto de las buenas novelas, los relatos cinematográficos bien construidos, los ensayos inteligentes y reveladores y las pinturas hechas en las grandes épocas del arte con un virtuosismo que parece sobrehumano. Tengo la total seguridad de que a un espíritu despierto le basta con ver una sola vez una obra de Leonardo, Rembrandt o Caravaggio para recibir una impresión que lo acompañará durante el resto de su vida, y estoy igualmente convencido de que la casi totalidad del arte contemporáneo se fuga de nuestra memoria al minuto siguiente de verlo. El arte de aquellos maestros (las llamadas disciplinas canónicas, que los profetas del arte oficial consideran definitivamente superadas) tenía un deber de inteligibilidad y comunicación racional basado en límites, reglas y objetivos bien establecidos, que definían su identidad tal como pasa en las ciencias duras, los deportes competitivos, el cine y la literatura. Esos límites y reglas fijan el marco racional que nos permite entender el acontecimiento, evaluar su calidad y establecer cuáles son los actores más dotados; si borramos esas reglas y límites ingresamos a la dimensión del absurdo y el sinsentido, donde nada tiene significado y todo se torna igualmente olvidable. Para ser conmovido y experimentar una emoción estética necesito, como cualquier ciudadano corriente, entender lo que se ofrece a mi entendimiento, y para entenderlo necesito que la obra exprese por sí misma su contenido y me trasmita su peculiar visión del mundo merced a la eficacia de sus medios. Lo paradójico e irónico del caso es que luego del vaciamiento de sentido provocado por el afán de abolir los límites del arte y por la consiguiente afirmación de que cualquier cosa puede ser una obra de arte, los responsables de ese vaciamiento se adjudicaron la función de fabricar interpretaciones, lecturas y teorías destinadas a llenar el vacío que ellos mismos habían generado. Otra paradoja es la proliferación de nuevas carreras universitarias que ofrecen la formación de curadores, administradores, promotores, gestores, facilitadores, operadores, teorizadores y críticos multimediáticos, mientras en el otro extremo de la ecuación el rol de los artistas se devalúa cada vez más y tiende a confinarse en la mera ilustración de las propuestas curatoriales. Un viraje tan dramático en la orientación del mundo artístico merece, creo, una seria indagación sobre sus causas y consecuencias. Al exacerbar la ilusión del arte concebido como un poder mágico, capaz de transformar en obra de arte a cualquier objeto, disciplina o atributo de la realidad, resulta inevitable que el valor artístico sufra un severo desplazamiento, y que los artistas y sus obras tiendan a hundirse en la irrelevancia. Una vez que ha logrado apropiarse nada menos que de la construcción de sentidos, la nueva burocracia de curadores y teorizadores convierte a los artistas y sus obras en pretextos intercambiables: tanto da uno como otro, porque lo verdaderamente importante es el guión curatorial. Hoy proponen una “reflexión” sobre los efectos de la deforestación intensiva o la situación de la mujer, y mañana llamarán a “investigar” o “explorar” los procesos de legitimación artística, el calentamiento global o el comportamiento del mercado de arte. Es evidente que toda la miga del asunto está en la convocatoria. Sometidos a esa dinámica, muchos jóvenes artistas emergen con grandes expectativas sólo para ser velozmente sumergidos, y los réditos de la operación pasan a engrosar la cuenta corriente del curador. La última paradoja, nada menor, por cierto, es el hecho de que esas estrategias se llevan a cabo invocando la libertad de pensamiento, como si no existiera el inviolable corsé ideológico que establece la sujeción al dogma duchampiano, cuya recusación coloca a los heréticos fuera del marco institucional. Recuerdo una anécdota que ilustra muy bien ese punto: hace unos años me sorprendió saber que el consejo superior de la facultad de ciencias sociales de la UBA había propuesto POR UNANIMIDAD el nombramiento de Fidel Castro como doctor honoris causa. Poco después, al encontrarme con un amigo sociólogo le expresé mi extrañeza: 
Ceal Floyer, Helix (2002) 
Aunque desde el circuito oficialista se quiera dar siempre una sensación de fortaleza, de tenerlo todo dominado, aunque los pintores sigamos teniendo que buscarnos la vida fuera de las salas de primera categoría, fuera del apoyo de los políticos porque el neoconceptualismo sigue siendo lo que les dicen sus asesores que es "moderno" y "guay", lo cierto es que hay un síntoma inequívoco de su inminente caída y el retorno de la pintura: su creciente agresividad hacia el "enemigo".
Hola a todos...esta semana se iba a celebrar la terulia habitual del HARTISMO en Santiago de Compostela, en la Cafetería Candinga, en la Calle Virxe da Cerca, como siempre, a las 20 30 horas, pero al final no hubo quorum (mea culpa, que avisé un poco trade, estaba de viaje), así que se pospuso la cosa para esta semana que entra, en concreto para el JUEVES 5 en el mismo lugar, pero un poco más tarde, A LAS 21 HORAS, para que a nuestro colega Méndez le dé tiempo a venir del trabajo...
Os esperamos allí, y querríamos plantear un tema inicial que es el de las POLÍTICAS CULTURALES: ¿creeis que el modelo de Museo actual es el adecuado- hablando de arte contemporáneo -(actual)...?¿Está bien que se subvencione o se ayude al arte, y de ser así, CÓMO se puede hacer?y ¿a QUIEN Y QUIEN lo debe decidir?...¿CÓMO puede una administración cultural ser más rigurosa y evitar la habitual desconfianza del espectador ante la simple visión de las palabras "arte" y "contemporáneo" juntas?¿Ayudan las instituciones públicas a difundir el arte y la cultura?¿hay transparencia en ellas?...
Son preguntas que aparecen muchas veces en nuestros blogs, pero que creemos que es interesante debatir entre todos y ofrecer o buscar soluciones que puedan luego reflejarse de nuevo en nuestro blog y rediscutirse fuera del ámbito compostelano.
Y bueno, de paso que charlamos nos tomaremos unos cacharros y también podemos organizar una ronda de visitas a nuestros respectivos talleres, donde cada anfitrión únicamente se comprometerá a cumplir una máxima: Dar de beber a los demás...
Estais, por supuesto, todos (hartistas o no) invitados a esta ronda de PERFORMANCES que se anunciará también en el blog y a la que iremos dando forma ese dia 5 en el Candinga
Allí nos veremos
Cómo nos vamos a poner...!
En este blog http://arte-nuevo.blogspot.com/ acabo de escuchar una entrevista, algo larga pero de interés, trata de la crítica de arte en México.
Da pistas sobre el pensamiento manejado por los gurús del arte contemporáneo en este país.
Estaba escuchando esta entrevista y luego de media hora de alocución del crîtico Cuauhtémoc Medina, ¡oh sorpresa! escuché que esta eminencia del arte contemporáneo aclaraba sobre la disidencia que lo atormenta:
“el primer discurso es que hay una exclusión de los verdaderos artistas que operan como Miguel Ángel, hay una mujer increíblemente... este... el problema no es de ignorancia, es corta de deseos, se llama Avelina Lesper. ”
3 de marzo de 2009 9:44
Hay dos cosas que están acabando con ellos, lo cual se delata por el tono, les hace desesperarse, gritar... se ven sus sentimientos verdaderos, que permanecen ocultos bajo una sonrisa hipócrita por capas y más capas de compostura postmoderna, fina ironía, cinismo...
Una de ellas es el empuje de la pintura contemporánea, imparable. Nada les jode más que ver pintar, que ver que un pintor triunfa. Es una constante:
Comentarios de esta noticia
Artículo sobre Wyeth
La otra, evidentemente, es que la teoría, su única defensa, se vuelva contra ellos. Avelina Lésper es uno de los casos, y brillante, de lo que tú mismo bautizaste como "crítica anti-corrupta".
Eso tampoco lo soportan, porque su base teórica, hasta ahora intocable por críptica e incomprensible, en realidad es sumamente débil, inconexa, poco rigurosa. No aguanta el embate de un análisis serio desde un punto de vista filosófico, histórico, ni por supuesto estético.
El tercer pilar de su agonía es que el gran público pierda el miedo a opinar que hasta ahora atenazaba sus voces, y mantenía secuestrado el debate sobre arte contemporáneo. Temen a la gente, a que haya una rebelión contra el status quo ya consumado. También un aumento en la agresividad de los creyentes es aquí síntoma de su miedo: si antes se conformaban con decir "tú no entiendes y yo sí", ahora directamente pasan a insultar al público, llamando cateto, pailán o directamente imbécil a quien ose cuestionar sus dogmas de fe sagrados.
Pero los síntomas hablan por sí mismos: por el nivel de enfado que ahora están empezando a mostrar públicamente, por esa pérdida del autocontrol, parece que su fin es más inminente de lo que todos nosotros habíamos especulado.
3 de marzo de 2009 10:54