¿Para qué sirve un catálogo de arte conceptual?

Es algo que casi todos hemos vivido alguna vez. Vas a una exposición, sea de la escuela, del Ayuntamiento, de un concurso, galería o museo... y te parece un soberano tostón, pero eso sí, has guardado el lujoso catálogo que regalaban, porque entre otras cosas te da pena tirarlo.

El catálogo habla de la exposición, presenta el manual de instrucciones de lo que allí has visto, es decir, cómo interpretar, contextualizar, entender, ver y hasta sentir lo que el "artista" ha presentado, ya que su obra no ha sido capaz de comunicar por sí misma nada en absoluto.

Has guardado el librito, pero a ti no te vale para mucho, porque al fin y al cabo estás convencido de que te han tomado el pelo con la exposición y que el propio catálogo es una vergonzosa demostración de que aún en tiempos de crisis a las instituciones les sobra el dinero.

Al llegar con el catálogo a casa venías más o menos contento, tenías en tus manos una especie de trofeo. Pero van pasando los días y ya no sabes qué hacer con él, pues has podido comprobar en seguida que leerlo NO es una opción.

Pues bien. Existen muchos usos alternativos para tu flamante catálogo de arte conceptual.

Seguramente tu primera idea ha sido limpiarte el culo. Pero desgraciadamente el papel cuché grueso, casi cartulina, con el que han impreso a todo color magníficas fotos en blanco y negro es demasiado duro. Y correoso. Forma afilados pliegues que dañarían tus nalgas. Los catálogos conceptualistas no valen ni para limpiarse el culo, es cierto.

Pero hay muchos otros usos posibles:

1. Como calza para una mesa que cojea.
   Es uno de los usos clásicos para guías telefónicas y otros libros inservibles. El grosor considerable de un buen catálogo de arte conceptual sirve de maravilla para evitar que las mesas, sillas o muebles variados cojeen.
2. Como apoyo para ollas, cafeteras y cazos.
   Si no quieres cargarte la mesa, un buen catálogo de Beuys o cualquier exposición de esas importantes soporta el calor perfectamente.
3. Como bloc de notas.
   Al haber partes grandes del papel en blanco se puede ir arrancando hojas para tomar notas. ¿Puede haber algo más moderno que apuntar la lista de la compra en un papel con una instalación hecha de urinarios y caca?
   
   

Incluso hay posibles usos artísticos. ¡Sí, sí, lo conceptual puede reciclarse para hacer arte!

1. Como cuaderno de dibujo.
   ¡La mayor parte del papel está vacío! Para que se note el poderío, las páginas de los catálogos conceptualistas tienen grandes zonas en blanco, o con una ligera trama, de modo que la aridez de las imágenes case con las salas vacías e impolutas. Así pues, queda todavía mucho papel virgen para dibujar sobre él.
2. Como paleta para óleo o acrílico.
   El brillo del papel permite mezclar sobre él los colores sin que haya prácticamente absorción por parte del catálogo. Y encima es una poética manera de lograr que la pintura llene libremente las salas reservadas tradicionalmente a los seguidores de Duchamp.
3. Como material para collages.
   Si bien es cierto que los catálogos conceptuales son un tanto sosos, las múltiples escayolas, arpilleras y textos en Helvetica constituyen una fuente para collages que necesiten diferentes grados de gris en texturas más o menos geométricas.

Y seguro que con un poco de imaginación entre todos seremos capaces de encontrar más usos para reciclar estas lujosas páginas tan desaprovechadas. ¡Aportad vuestro granito de arena!

DÍA DEL ORGULLO PINTOR - PINTA[C] - TEXTO DE AVELINA LÉSPER

DÍA DEL ORGULLO PINTOR - PIN.T.A.[C] (La pintura también es arte contemporáneo).

TEXTO PARA LA CELEBRACIÓN DE LA 1a EDICIÓN EN SANTIAGO DE COMPOSTELA, ESPAÑA. 17 de octubre del 2009.

POR AVELINA LÉSPER.


La fiesta de la creación es la celebración de la inteligencia y la pasión. Pintar diluye el abismo que existe entre percibir y crear, une lo infranqueable y lo redimensiona, el paisaje ahora es el resultado de la imaginación, la experiencia y la emoción del artista y vuelve a existir, renace mil veces en las mil veces que es pintado. Esos trazos que nos dicen que las montañas tienen las cúspides azules y las frutas son de los colores del Greco porque Cezanne amaba la paleta del griego, nos revelan que el mundo es una creación no cuando lo habitamos, sino cuando lo reproduce el arte. En esta fiesta del arte participan hombres y mujeres con un solo objetivo: mostrar al mundo que la pasión de crear y contemplar no se ha perdido, que si los museos y galerías son cámaras frías que resguardan objetos sin sentido, afuera de esos muros estos artistas están decididos a regresar el arte al público.

La creación es un misterio, podemos hablar a posteriori de la teoría que la envuelve, pero saber cómo surge un trazo, cómo una línea inventa un rostro, poder presenciar de cerca el nacimiento de una obra es una experiencia singular que nos acompaña el resto de nuestros días, porque nos demuestra que los seres humanos estamos aquí para dar forma a nuestra realidad y porque nos abre la puerta a la generosidad del conocimiento, la enseñanza y la contemplación. En las inmediaciones del Centro Galego de Arte Contemporánea, que es la reunión del egoísmo mudo de obras que no llegan al corazón, veremos como el misterio de la creación es revelado y como la transformación de pigmentos sobre una superficie nos cuentan historias, nos dan imágenes que poblaran nuestra mente, que nos invitarán a gozar y a tratar de entender porque el arte es indispensable en nuestras vidas. Decir que la pintura también es arte contemporáneo significa que no es cosa del pasado sentir una emoción ante una obra, que no es algo remoto que los sentimientos estallen ante una imagen, que hoy eso es posible que suceda, que no tenemos porque exiliar de nuestra existencia y nuestra memoria el placer que da crear y contemplar arte. Hoy las emociones están negadas y el placer vive marginado y proscrito, hemos vivido décadas entrando y saliendo de los museos en diez minutos y sin sentir nada más allá del aire acondicionado. Reclamamos ese placer de regreso a nuestras vidas, reclamamos la aventura de mirar y correr el riesgo de ser seducidos, violentados, escandalizados y emocionados, no queremos más la aséptica relación de ver la insignificancia y banalidad de obras desechables, queremos apropiarnos de las imágenes y llevarlas todos los días de nuestra vida.

Por esto agradezco y aplaudo a Carmen, Mariano, Anxo y a los hartistas que se unieron en este evento, por su valiente esfuerzo, por su alegría de crear y compartir. Porque la creación es una actividad constante, humilde, cotidiana, si responde a la inspiración, también responde a la disciplina, a esos gestos casi mínimos que sólo el artista reconoce, es ese paso milimétrico que supone una revolución en una trayectoria o la iluminación en la realización de una obra. El artista es un espectador activo de la vida, quiere representar lo que vemos y no vemos, describirnos los dramas más profundos y la sencillez imperceptible, se sumerge en las emociones y las expone en literatura, pintura, música, las canta, las baila, hace de este monstruo incontrolable que es la realidad un mina que explota sin piedad, sin pudor. Lo que hoy presenciarán es el resultado de no ceder a los caprichos del marketing, a la violenta imposición de la intrascendencia como una fórmula que mutila los retos en el creador y en el espectador. Crear es un acto de libertad, es un camino que se sigue para exponerse a la crítica, al triunfo, al fracaso, a la mirada inquisitiva pero sobre todo al conocimiento insondable de una intimidad que con una imagen es revelada de golpe. El arte por eso también es impúdico y descarado, nos dice, mírame, escúchame, llévame en la memoria, desde hoy te habito, formo parte de tu experiencia y nada es igual después de que me has conocido. Eso es crear, eso es mirar y hoy en esta fiesta todos podrán ser testigos de este portento.

La medida del éxito

En el diario Público me acabo de encontrar esta noticia:
http://www.publico.es/culturas/229345/richard/long/arte/caminar
Sobre la retrospectiva de Richard Long (land-artista) en la Tate Britain.

Me parece llamativo que se valore tanto una obra que básicamente, se reduce a actos muy simples, como caminar en línea recta una y otra vez hasta aplastar el pasto, o caminar por un lugar con una piedra en el bolsillo. Incluso cuando tratamos de sus "esculturas" que involucran grandes movimientos de tierra (por cierto, totalmente antiecológico, lo que sorprende en alguien que está considerado como un defensor de la Naturaleza), en realidad se limita a cosas muy simples, como una espiral de rocas en la costa, o una zanja en un terreno virgen.

Evidentemente, si medimos el éxito como acopio de riquezas y poder, Richard Long lo ha alcanzado con creces. Pero ¿como artista? Si pensamos que este conjunto de cosas básicas, actos simples, etc, es toda la obra de un supuesto artista durante 40 años, suena penoso. ¿Cuántos cuadros, esculturas, edificios, jardines, obras de teatro, películas, cómics, poemas, novelas, ensayos filosóficos... maravillosos da tiempo a completar en 40 años?




¿Qué es el éxito en el arte? Recuerdo, en este momento, el punto 7 del Manifiesto Stuckista: "Success to the Stuckist is to get out of bed in the morning and paint." (El éxito para el stuckista es levantarse por la mañana y pintar), que también está en el punto 15 de nuestro propio manifiesto.

El espíritu de la vanguardia

"Da pena pensar en las grandes esperanzas de Mondrian y Kandinsky sobre el gran arte del futuro, que alcanzaría alturas nunca antes conocidas... y toda la aventura vino a terminar en esto: unas simples fotografías y unas botellitas de coca cola... ".

Esto es parte de un comentario en una entrada del blog "Lérias Várias". Escrito por Daniel Pérez, hartista y pintor argentino.

¿Cuántas veces hemos visto traicionadas las revoluciones de nuestros bisabuelos? Los que supuestamente son sus herederos se han convertido en cómodos burócratas que han sustituido el espíritu crítico original de las vanguardias con un cinismo nihilista; mediocres que guardan todas sus armas de gracejo e ironía no contra la corrupción -con la que se sienten tan a gusto- sino contra todo aquello que ose recuperar un poquito de autenticidad, de dignidad.

Son estos los críticos apoltronados que tanto abundan, que escriben infumables panfletos llenos de folios confusos, en los que intentan hacer parecer sublime la más estúpida inacción. Columnistas a sueldo del capital que agreden al oficio serio y honesto de pintores dedicados a la búsqueda de la belleza, que no pueden tolerar porque jamás la comprenderán. Tontos de capirote -sorprendentemente muy leídos- que no dudan en ensuciar los nombres de los clásicos atribuyéndoles búsquedas espúreas de una teoría falaz que jamás conocieron. Elucubraciones enfermizas tan lejos del sentido común y de la realidad histórica que tan sólo son plausibles en un sistema corrupto, en el que el mercantilismo y la mentira están tan entretejidos que literalmente "todo vale".

¡Cuánto se necesita hoy recuperar ese espíritu crítico de los Manifiestos, de las Vanguardias de principios del siglo pasado! Porque... ¡qué asombrosa quietud, qué triste mansedumbre la de los supuestos transgresores de hoy día, que hacen una caricatura de transgresión, apta para los salones de los millonarios, las salas cuidadas por bedeles, los museos recorridos por una gravedad de ultratumba!

Aparentemente, todo está en paz, todos están contentos. O al menos, todos se resignan a parecerlo.

Decía un anuncio de Amnistía Internacional que por cada persona que se resigna, el mundo necesita otra que no se resigne. ¡Pues en esas estamos!

Nuevos hartistas gracias a las críticas

Esta semana añadiremos nuevos nombres a la lista de hartistas. Ya estamos en ello, os pedimos paciencia a los nuevos, no damos realmente abasto.

Debo decir que nos han sorprendido las razones en algunas de las nuevas solicitudes. En algunos casos la contrapublicidad que nos está dando un troll que últimamente se la ha tomado con los blogs hartistas, ha animado a algunos a dar el paso de rellenar el formulario en lugar de ser sólo simpatizantes. Así que muchas gracias -sin que sirva de precedente- a este personaje probablemente psíquicamente trastornado, que sufre una monomanía con la "h" del Hartismo. Sus críticas furibundas han obrado el efecto inverso.

¿No decían eso de "que hablen de ti aunque sea mal" (o ...aunque sea bien)? En una de las solicitudes se nos dice, a la pregunta de "Motivos por los que quieres unirte a nosotros:" "Porque he leído el blog de XXXXXX y he sentido curiosidad por vuestro movimiento. Me he sorprendido gratamente al conoceros, pese a mi escepticismo inicial. XXXXXX hace bastante el ridículo".

Cuando fundamos el Hartismo sabíamos que aparecerían elementos críticos. Es lógico, no todos -ni siquiera dentro del Hartismo- vemos las cosas de igual manera. Lo esperábamos y hasta ansiábamos: sería muy positivo poder discutir temas de arte con gente que tuviera otras maneras de pensar, que viera las cosas desde otro lado. Pero por ahora estamos decepcionados. Ha habido mucha menos discusión de la que esperábamos. Y de muy bajo nivel: lo máximo que han logrado las voces críticas con el Hartismo es buscar la descalificación personal, el insulto y utilizar machaconamente la falta de respeto. No discuten argumentos, sino que agreden a los que tienen una opinión diferente a la suya. ¿por qué será?

Nosotros esperábamos crítica, sobre todo, de dos grupos:

1. Por una parte sabíamos que nos criticarían los que viven del cuento, que se ven amenazados -injustificadamente- porque creen que llegará una especie de "nuevo orden". Tranquilos, eso tardará, si llega. Y si lo hace, el propio Hartismo se disolvería automáticamente, pues no tendría ya razón de ser.
   
   
2. Por otra parte, esperábamos críticas de los guardianes del dogma conceptual. Los que han hecho de la palabrería pseudofilosófica su forma de vida. Escriben libros, dan charlas, prologan catálogos de los del primer grupo... No soportan que se les discuta nada, y mucho menos que la gente opine, que el arte sea de todos. Del elitismo y la exclusividad de su visión del arte depende su prestigio, el respeto hacia ellos. Son "autoridades" y ejercen esa autoridad con todos los medios, de forma histérica y agresiva si se ponen nerviosos.
   

Los del primer grupo no suelen saber ni hilar dos frases seguidas. Se les ha regalado el puesto de "artistas" o "comisarios" por su buen desarrollo de las habilidades sociales, no por su trabajo. Del mismo modo que no sabrían explicar por qué tiran fuel a la Costa da Morte sin chaparse antes el texto del catálogo, tampoco saben contestar coherentemente qué no les gusta del Hartismo. No suelen entrar al trapo, como es lógico, porque no se les pierde nada en ello. Hemos tenido... tres casos, a cada cual más patético, y ninguno volvió a contestar una vez les respondimos formalmente.

Los del segundo grupo, en cambio, son expertos en la palabra, y en el uso de triquiñuelas psicológicas, como el chantaje emocional, la intimidación verbal, etc... Son, con diferencia, los más furibundos, los que se enfadan más ostensiblemente ante cualquier idea contraria. Ven una amenaza en el Manifiesto Hartista, pero sobre todo en nuestro lema "El Arte es de Todos". Son defensores a ultranza del elitismo, el oscurantismo y el relativismo: argucias falaces que les permitan defender cualquier discurso estrambótico, deslabazado, de las críticas hechas con rigor lógico. Saben que son los que mantienen el sistema actual del arte post-teórico, conceptual o pseudo-arte, y que los "artistas" de su catálogo no son nadie sin ellos. Tienen, como suele decirse "la sartén por el mango" en este mundillo, ya que no sólo los artistas dependen de ellos; los políticos e inversores del arte deben consultarles antes de soltar la pasta. Aunque el Hartismo no se dirija contra ellos en particular, y aunque nuestro poder es... ninguno, el simple hecho de que aparezca una disensión, una voz que rompe la ley del silencio y destapa los escándalos del arte actual, ya los pone de uñas.

En su mayoría, los críticos y teóricos afines al arte oficial no nos hacen demasiado caso. Saben que su reino aún durará, y que por ahora no somos ninguna amenaza para su status. Apenas llevamos seis meses, y nuestra fama es mínima al lado de la suya. Por eso ninguna de las grandes figuras del artisteo actual (grandes críticos, comisarios, etc) se ha referido siquiera a nosotros: la indiferencia es su mejor arma.

Pero ¿qué pasa con los pobres diablos que están abriéndose ahora un camino, los que no tienen fama? Pues que son los que más se han cabreado. Hemos tenido... dos. En uno de los casos ha durado apenas un mes. El otro es más pesado, pero tras haber picado con él y darle cancha durante unos meses, al final hemos decidido ignorarle nosotros, pues su actividad consistía en hacer de troll en los diferentes lugares del Hartismo en Internet. La táctica clásica de "don't feed the Troll" finalmente parece la más sensata por nuestra parte. Este es el troll al que me refería al principio, el que ha provocado, contra su previsión, adhesiones nuevas de gente que está "harta" de su mal comportamiento en las casa ajenas.

Lo extraordinario es que ya hemos pasado por todo esto -y con un contrincante que tenía más fama, poder y mala baba- hace mucho tiempo:

Hace 15 años, cuando Mariano, Carmen y yo estudiábamos en Pontevedra, se publicó en la revista de la ACME (precursora del Hartismo) un artículo titulado "El crítico criticado". Hoy, quitando las referencias locales y los nombres que no vienen ya al caso, este artículo sigue teniendo una vigencia total. Ya entonces el crítico criticado, que daba clases en la facultad reaccionó exactamente igual que hoy lo hace esta pobre gente de 2009, mucho menos conocida, por supuesto que el entonces enemigo de la ACME. Estos son algunos fragmentos:

Después de la publicación de nuestro 2º número del "¿Qué, cuándo, dónde, cómo, por qué?" hubo reacciones de todo tipo. La mayoría de los profesores que debían darse por aludidos hizo un esfuerzo considerable por aparentar indiferencia. Otros demostraron más sentido del humor, y otros un refinado cinismo (caso del pobre XXXXX, que tras la aparición del artículo favorable a la ACME, a toda página, en el Faro de Vigo, planteó remitir al diario otro escrito en el que algunos profesores -él entre ellos- manifestaban no participar del espíritu antidemocrático de la facultad).

Otros demostraron una preocupante tendencia a no captar los matices de las cosas y buscar siempre las posturas extremas,como el caso del sheriff XXXXXX, que tras la debacle de su curso anterior (en el que su régimen -perdón, su proyecto docente- hizo que al taller no aisitieran ni los cabelletes y le llovieran las denuncias a fin de curso) ha pasado de obligar a la gente a hacer instalaciones en clase de pintura, a mandarles copiar modelo desnudo todo el santo día ...¡que no, XXXXXX, que no es eso!... No se trata de que si alguien se queja de frío, tú vayas y lo quemes a lo bonzo.

Hay un término medio que se llama "posibilidad-de-crear-en-libertad". Métetelo en las espuelas.

Otros ¿profesores? (y alumnos) han reaccionado cerrando aún más su discurso fascista anti-pintura y anti-figuración. XXXXXX XXXXX, por ejemplo, asegura ¡en su programa docente! y textualmente, que "no quiere a su alrededor virtuosos ni autómatas". Por supuesto, ella entiende por virtuoso el que tiene un mínimo dominio técnico y por autómata el que se dedica a pintar lo que le gusta y no lo que le gusta a ella. Tengo mis dudas sobre quíen será el autómata, y también sobre hasta qué punto esta señorita tiene derecho a presentar por programa docente una especie de versión artística de las leyes de Nüremberg, en la que declara la guerra a aquello con lo que no comulga.

Pero de todas las reacciones tras la revista, la más furibunda, histérica, plañidera y pobre ha sido, es curioso, la del CRÍTICO. es digno de análisis que un crítico acepte de tan mal talante las críticas. Una persona que se cree poseída por la varita mágica de la verdad, que ha hecho del dogmatismo su profesión y que se permite el lujo de juzgar a diario, con frecuencia descalificando e insultando a trabajadores a los que ni siquiera conoce, no acepta ni siquiera una réplica a todo ello. Para él somos "integristas" e "inquisidores". Lo son todos aquellos que perturban su monólogo, que discrepan de las opiniones que él trata de hacer vinculantes y de imponer por medio de la más penosa coacción.

La ACME no puede aceptar que un tipo con marcada vocación fundamentalista desfogue sus frustraciones personales contra nosotros de una forma tan miserable.

(...)

Si nos quiere insultar, deberá hacerlo por otro medio. una sugerencia es que lo haga a través de uno de esos libros tan interesantes que escribe y que obliga a leer a sus alumnos. Así, todos contentos. Él será el protagonista de nuestras revistitas y nosotros de las suyas, y todos seremos internacionales, por la Gracia de XXXXX.

Sabemos que él nunca se dará por aludido. Nosotros siempre seremos los ignorantes y provincianos en su discurso circense. Mientras, él seguirá reclamando con una insistencia que lleva al bostezo, un puesto dentro del mundo en el que fracasó y para el que no sirve. Pretende vivir, como un parásito, de hablar de lo que los demás hacen, de destruir en un mundo de creación, y encima lo hace con la prepotencia y soberbia de un pobrecillo que se cree importante, que cree que sus textos "vacíos y aparatosos" (mejor no los pudo describir Paco Pestana) son más importantes que el trabajo vitalicio de aquellos de quienes habla.

Se mete entre nosotros, los artistas. Nos molesta, nos insulta, pretende comer de nuestro plato y no admite réplicas: ¿no será un tanto excesivo?

(...)

Sorprendente ¿no? El texto es ¡de 1995!

LA PINTURA TAMBIÉN ES ARTE CONTEMPORÁNEO

Amigos Hartistas ya está en mi blog http://www.avelinalesper.blogspot.com/ mi ponencia "La pintura también es arte contemporáneo", otro flanco que los conceptuales creen que tienen coptado. Es por la exposición de pintura "Metrópolis, el mito de la gran cuidad", realizada en el marco del 25 Festival del Centro Histórico de la Cuidad de México.

AVUI VULL SER CATALÁ

Ayer el Diario Público regogía una interesantísima noticia que se hacía eco de la comparación entre cómo se ha configurado la presencia de artistas de Cataluña para la próxima Bienal de Venecia (por CONCURSO PÚBLICO)...(si, si, es verdad, esas cosas pasan, pero en Cataluña)..., en contraposición a la de España (a dedo...ya sabeis, Barceló...)
Merece la pena leer detenidamente la noticia aquí:

http://www.publico.es/culturas/212671/proyecto/abierto/publico/transparente

También puede verse el comentario sobre esto subido hoy mismo al blog el hartista Mariano Casas

http://marianocasas.blogspot.com/

En fín, cuanto nos queda por aprender por aquí!!

Un texto de Daniel Pérez

Daniel Pérez es pintor y crítico, uno de los miembros del Hartismo de Argentina. Tiene un estupendo blog de arte, "Arte y Textos", que da gusto leer. Ayer nos envió este magnífico texto, para el segundo número de "HARTE contemporáneo", la revista del Hartismo que se editará dentro de poco.


Diez años dominados por la burbuja conceptual

Daniel Pérez / www.arteytextos.blogspot.com

Al repasar la evolución del mundo artístico desde el momento de la fundación de esta revista, ocurrida hace diez años, el fenómeno más característico que aparece frente a mi vista es la expansión de una impetuosa burbuja cultural, manifestada en el veloz crecimiento de una frondosa muchedumbre de curadores, administradores, promotores, gestores, facilitadores, teorizadores y especialistas que aspiran a mantener el mundo del arte bajo un rígido control institucional. Cohesionada por la certidumbre de que el archifamoso mingitorio de Duchamp marcó el comienzo de un cambio definitivo en la naturaleza del arte y desencadenó un imparable salto hacia el futuro, la nueva clase curatorial apoya sus prédicas en el mito del mingitorio y en el dogma de la infalibilidad del crítico norteamericano Arthur Danto, autor de la célebre y dudosa teoría de los objetos indiferenciables. El gran desafío filosófico del momento, dice Danto, consiste en determinar por qué, de dos objetos exactamente iguales e indiferenciables entre sí, uno es arte y el otro no. Danto compara la caja de Brillo que Warhol trasladó del estante del supermercado a la galería de arte con cualquiera de las muchas cajas iguales que prosiguieron su destino en las estanterías del supermercado. Son iguales pero diferentes, dice Danto, porque la caja elegida por Warhol se transformó en una obra de arte, en tanto que la otra caja siguió siendo un simple producto de limpieza. Pensar que un objeto cualquiera pueda convertirse en una obra de arte sólo porque a un artista se le da la gana suena bastante poco sensato, pero Danto está convencido de que es así, aunque no intenta demostrarlo. Se limita a afirmarlo, y le otorga a su convicción personal el carácter de una demostración objetiva o de una verdad universal. “Muchos dijeron entonces que lo que Warhol había hecho no era realmente arte, pero yo estaba convencido de que era arte”, escribe. Y agrega: “La verdadera pregunta filosófica… es cómo evitar su simple disolución en la realidad”. Esto último es muy pertinente, porque resulta inevitable presumir que si la caja de Brillo vuelve al estante del supermercado nadie podrá reconocerla como una obra de arte. Pero Danto no se da por vencido ante ese pequeño escollo y sigue afirmando que la caja de Brillo es arte, aunque no propone ninguna razón para probar su hipótesis. La caja de Warhol es arte, nos dice, “porque yo estaba convencido de que era arte”. La otra no, y punto. Se trata de la misma lógica que transformó al mingitorio de Duchamp en una obra de arte: es arte porque lo eligió Duchamp, y Duchamp es un artista porque convirtió un simple mingitorio en una obra de arte. Lo mismo puede decirse de Damien Hirst: el tiburón es arte porque Hirst lo dijo, y Hirst es un artista porque transformó al tiburón en arte, y porque el magnate Abramovich pagó por él diez millones de libras. Este razonamiento circular es aparentemente fácil de entender, pero a mí me resulta tan inalcanzable como la más remota de las galaxias. ¿Por qué debo creer que una caja es arte y la otra no? ¿Y por qué debo creer que el bendito mingitorio y el tiburón son obras de arte? ¿Sólo porque el beneficiario de una burbuja inmobiliaria, financiera o petrolera pagó diez millones de libras? ¿Acaso Warhol y Duchamp tenían la varita mágica que convierte en arte todo lo que toca? Por más que me rompa la cabeza, el asunto me resulta tan indescifrable como los pensamientos de un erizo de mar. A veces tiendo a creer que la clave del arte conceptual gira en torno de tres posibilidades; a) es una gran tomadura de pelo; b) es un complot armado por Duchamp, Warhol y Damien Hirst para proveer a los medios de comunicación de las noticias estrafalarias y absurdas que complementan los asuntos políticos y policiales; c) es, tal vez, una nueva religión. Esta última hipótesis me parece bastante plausible, porque las religiones son una cuestión de fe, y los creyentes no suelen poner el tema de los milagros bajo la lupa de la racionalidad. Ante la carencia de argumentos racionales, se debe tener fe en algún conocimiento secreto que Danto no puede revelar al resto de los mortales, y que le permite asegurar que la caja de Brillo es una obra de arte. En otras palabras, se debe tener fe en que Warhol tiene el poder de convertir en arte todo lo que toca, y que Duchamp también lo tenía. Y para continuar se debe tener fe en que los llamados nuevos medios (performances, ensayos digitales, fotografías, street art, videos y el sinfín de ocurrencias que se irán agregando bajo los generosos y falaces rótulos de exploración, investigación o reflexión) también son arte. De esta manera entramos de lleno en la dimensión religiosa, que nos obliga a aceptar la ilusión del arte a pesar de que las cosas que se presentan bajo ese rótulo y las afirmaciones en las que se apoyan adolecen de una absoluta falta de sentido. Mi problema es que la apelación a la fe me hace sentir tan estúpido como un comprador de talismanes para adelgazar o de jarabes para rejuvenecer. Me explico: como cualquier ciudadano común y corriente disfruto de las buenas novelas, los relatos cinematográficos bien construidos, los ensayos inteligentes y reveladores y las pinturas hechas en las grandes épocas del arte con un virtuosismo que parece sobrehumano. Tengo la total seguridad de que a un espíritu despierto le basta con ver una sola vez una obra de Leonardo, Rembrandt o Caravaggio para recibir una impresión que lo acompañará durante el resto de su vida, y estoy igualmente convencido de que la casi totalidad del arte contemporáneo se fuga de nuestra memoria al minuto siguiente de verlo. El arte de aquellos maestros (las llamadas disciplinas canónicas, que los profetas del arte oficial consideran definitivamente superadas) tenía un deber de inteligibilidad y comunicación racional basado en límites, reglas y objetivos bien establecidos, que definían su identidad tal como pasa en las ciencias duras, los deportes competitivos, el cine y la literatura. Esos límites y reglas fijan el marco racional que nos permite entender el acontecimiento, evaluar su calidad y establecer cuáles son los actores más dotados; si borramos esas reglas y límites ingresamos a la dimensión del absurdo y el sinsentido, donde nada tiene significado y todo se torna igualmente olvidable. Para ser conmovido y experimentar una emoción estética necesito, como cualquier ciudadano corriente, entender lo que se ofrece a mi entendimiento, y para entenderlo necesito que la obra exprese por sí misma su contenido y me trasmita su peculiar visión del mundo merced a la eficacia de sus medios. Lo paradójico e irónico del caso es que luego del vaciamiento de sentido provocado por el afán de abolir los límites del arte y por la consiguiente afirmación de que cualquier cosa puede ser una obra de arte, los responsables de ese vaciamiento se adjudicaron la función de fabricar interpretaciones, lecturas y teorías destinadas a llenar el vacío que ellos mismos habían generado. Otra paradoja es la proliferación de nuevas carreras universitarias que ofrecen la formación de curadores, administradores, promotores, gestores, facilitadores, operadores, teorizadores y críticos multimediáticos, mientras en el otro extremo de la ecuación el rol de los artistas se devalúa cada vez más y tiende a confinarse en la mera ilustración de las propuestas curatoriales. Un viraje tan dramático en la orientación del mundo artístico merece, creo, una seria indagación sobre sus causas y consecuencias. Al exacerbar la ilusión del arte concebido como un poder mágico, capaz de transformar en obra de arte a cualquier objeto, disciplina o atributo de la realidad, resulta inevitable que el valor artístico sufra un severo desplazamiento, y que los artistas y sus obras tiendan a hundirse en la irrelevancia. Una vez que ha logrado apropiarse nada menos que de la construcción de sentidos, la nueva burocracia de curadores y teorizadores convierte a los artistas y sus obras en pretextos intercambiables: tanto da uno como otro, porque lo verdaderamente importante es el guión curatorial. Hoy proponen una “reflexión” sobre los efectos de la deforestación intensiva o la situación de la mujer, y mañana llamarán a “investigar” o “explorar” los procesos de legitimación artística, el calentamiento global o el comportamiento del mercado de arte. Es evidente que toda la miga del asunto está en la convocatoria. Sometidos a esa dinámica, muchos jóvenes artistas emergen con grandes expectativas sólo para ser velozmente sumergidos, y los réditos de la operación pasan a engrosar la cuenta corriente del curador. La última paradoja, nada menor, por cierto, es el hecho de que esas estrategias se llevan a cabo invocando la libertad de pensamiento, como si no existiera el inviolable corsé ideológico que establece la sujeción al dogma duchampiano, cuya recusación coloca a los heréticos fuera del marco institucional. Recuerdo una anécdota que ilustra muy bien ese punto: hace unos años me sorprendió saber que el consejo superior de la facultad de ciencias sociales de la UBA había propuesto POR UNANIMIDAD el nombramiento de Fidel Castro como doctor honoris causa. Poco después, al encontrarme con un amigo sociólogo le expresé mi extrañeza:
–¿Cómo puede ser que en el consejo superior de tu facultad todos piensen igual?
–Estás equivocado; hay muchas posiciones diferentes.
–Pero propusieron nombrar doctor honoris causa a Fidel Castro, ¡POR UNANIMIDAD!
–Ah, eso sí; hay muchas divergencias, pero con Fidel estamos todos.
La explicación le cabe perfectamente a la burbuja tribal e irracionalista del arte contemporáneo, que fagocita instituciones, bienales y museos en todo el mundo: hay muchas posiciones pero con Marcel estamos todos. La clave de la cuestión reside en la lógica interna de las instituciones adversas al pluralismo, que se organizan en torno de un conjunto de ideas centrales elevadas a la categoría de dogma y ungidas con la lógica de la bola de nieve. La ideología dominante baja de la cúpula con una fuerza gravitatoria que crece a toda velocidad y arrastra cuanto se le pone por delante, con el resultado de que la libertad de pensamiento sólo tiene vigencia efectiva entre quienes comparten la ideología oficial. A los disidentes, prolijamente ninguneados y sometidos al procedimiento silencio, les aguarda el desamparo de la intemperie, donde paradójicamente encuentran la verdadera libertad de pensamiento, porque para pensar libremente es imprescindible estar solo y estar afuera. Es en ese marco libre de coerciones donde se hace posible la verdadera libertad de pensamiento, un factor esencial para el desarrollo de la genuina obra artística, que es un hecho estrictamente individual. Cuando siento la tentación de revivir la emoción del reencuentro con esa clase de obras, que no corren ningún riesgo de disiparse en la realidad porque han sido ejecutadas dentro de la decantada racionalidad y los sabios límites de las disciplinas canónicas, me olvido de la burbujas y vuelvo al Museo de Bellas Artes, al Sívori, a la colección Fortabat y a los numerosos talleres y galerías de Buenos Aires que siguen guardando y construyendo la belleza, la sugestión y la racionalidad de la buena pintura, y no se avergüenzan de ella.

Naturaleza muerta con formol

Avelina Lésper nos envía este estupendo artículo de Enrique Serna
(pulsa sobre cada página para ampliar):

Las tres claves para entender el declive del arte oficial

Aunque desde el circuito oficialista se quiera dar siempre una sensación de fortaleza, de tenerlo todo dominado, aunque los pintores sigamos teniendo que buscarnos la vida fuera de las salas de primera categoría, fuera del apoyo de los políticos porque el neoconceptualismo sigue siendo lo que les dicen sus asesores que es "moderno" y "guay", lo cierto es que hay un síntoma inequívoco de su inminente caída y el retorno de la pintura: su creciente agresividad hacia el "enemigo".

Si hace unas décadas, para criticar a Antonio López, la crítica postmoderna exhibía un irónico desdén o una fingida indiferencia, y sus críticas eran del estilo "Antoñito", el niño mimado del PSOE... ahora sus cachorros, los herederos, los garantes de la continuidad del reino conceptual, están empezando a perder los estribos. Según hemos estado comentando en Lérias Várias, uno de los blogs hartistas, hay tres pilares, tres claves que están delatando un aumento de la agresividad, que es síntoma de miedo, y por tanto de que la posición de dominio sobre el mundillo artístico que hasta ahora ejercían los teóricos conceptualistas está cercana al final.

Son tres más que ninguna, las cosas que cabrean hasta el infinito -y más allá- a esta gente:

1. La pintura contemporánea, imparable. No pueden soportar que la pintura, que se suponía muerta y enterrada, o al menos domesticada, resista. Y que encima guste. Pero si algo no tiene perdón de su dios es que haya pintores que tengan éxito. Incluso mucho éxito. Indefectiblemente, la plana mayor neoconceptualista se lanza, rebosando bilis, a atacar con saña. Porque hay pintores que destacan, y mucho: sus obras rivalizan con las grandes chorradas tipo Hirst como obras más caras vendidas en las subastas, pero que además son apreciadas por el público y los museos las atesoran con fruición. Por si esto fuera poco, a pesar de su control, cada vez el gran público puede acceder más fácilmente (Internet, publicaciones...) a la obra de autores denostados o malditos por el sistema como Igor Mitoraj, Antonio López, Balthus, Freud, Kitaj, Wyeth, Hundertwasser... También, cada vez más, los pintores actuales, jóvenes en muchos casos, se van abriendo hueco y aparecen en la prensa pese a la "tutela" que la secta duchampiana ejercía en los medios. Encima, las voces unidas de stuckistas, hartistas, y otros grupos que surgen espontáneamente, van reclamando para la pintura un lugar relevante, sacándola de los ghethos que específicamente fueron creados para satisfacer la sed pictórica del populacho, los únicos sitios tolerados para mostrar el arte supuestamente inferior, muerto y caduco: los muros para la pintura callejera (graffiti), los bares y cafeterías, las salas de tercera regional para la pintura de caballete... Porque empezamos a decir que no nos vale: los pintores somos exactamente igual de contemporáneos que nuestros competidores de la instalación, el video-arte o la performance. Y queremos exponer, como ellos, en el CGAC, en el Reina Sofía o las grandes fundaciones, sin tener que esconder nuestro arte bajo algún disfraz postmoderno que les "mole" a los patrones (pintura-pintura, copia de fotos con medios exóticos, reflexion irónica y superficial sobre los temas "trascendentes" de siempre: lo social, político, sexual y demás asuntos referentes a la corrección política para que los cuadros no parezcan lo que son). Evidentemente, los que manejan el "circuito" no están dispuestos a quitar del museo una sola lata llena de mierda para dejar sitio a un cuadro, y les parece intolerable nuestra pretensión. Pues es real: queremos que la pintura ocupe el lugar que le corresponde, tener igualdad de oportunidades con toda la basura postmoderna (y conste que uso "basura" como mera descripción de los diversos objetos sin valor que suelen verse tirados en el suelo en los museos de arte contemporáneo, no como ofensa).
   
   
2. La pérdida del miedo a opinar por parte del público. Cada vez menos gente se cree el rollo ese de "yo entiendo y todos vosotros no", esgrimido por los "expertos" de turno.
   
   
3. Pero si hasta ahora eran capaces de mantener a los pintores calladitos, dentro de sus ghettos y el público relegado a creerse ignorante, porque sabían inexpugnable la fortaleza de sus postulados teóricos, ahora se ven indefensos. Y tienen miedo; porque ya no hay una sola voz, monolítica. Parte de la crítica, la historia del arte, el periodismo, la filosofía, ha dejado de escribir a medida de ellos, según los intereses del lobby del arte contemporáneo. Y eso ha sido la gota que colmó el vaso. Se ven ya replegándose en sus posiciones, antes de huir en estampida, "como vacas desnortás", que dirían los de Muchachada Nui.
   

A continuación transcribo parte de la conversación en Lérias Várias en la que precisamente se habla de los miedos -confesados- de los críticos conceptualistas y además se formulan los tres puntos clave mencionados:

Dimo Java-Lee Garcia dijo...

En este blog http://arte-nuevo.blogspot.com/ acabo de escuchar una entrevista, algo larga pero de interés, trata de la crítica de arte en México.

Da pistas sobre el pensamiento manejado por los gurús del arte contemporáneo en este país.

Estaba escuchando esta entrevista y luego de media hora de alocución del crîtico Cuauhtémoc Medina, ¡oh sorpresa! escuché que esta eminencia del arte contemporáneo aclaraba sobre la disidencia que lo atormenta:

“el primer discurso es que hay una exclusión de los verdaderos artistas que operan como Miguel Ángel, hay una mujer increíblemente... este... el problema no es de ignorancia, es corta de deseos, se llama Avelina Lesper. ”

3 de marzo de 2009 9:44

Anxova dijo...

Hay dos cosas que están acabando con ellos, lo cual se delata por el tono, les hace desesperarse, gritar... se ven sus sentimientos verdaderos, que permanecen ocultos bajo una sonrisa hipócrita por capas y más capas de compostura postmoderna, fina ironía, cinismo...

Una de ellas es el empuje de la pintura contemporánea, imparable. Nada les jode más que ver pintar, que ver que un pintor triunfa. Es una constante:

Comentarios de esta noticia

Artículo sobre Wyeth

La otra, evidentemente, es que la teoría, su única defensa, se vuelva contra ellos. Avelina Lésper es uno de los casos, y brillante, de lo que tú mismo bautizaste como "crítica anti-corrupta".

Eso tampoco lo soportan, porque su base teórica, hasta ahora intocable por críptica e incomprensible, en realidad es sumamente débil, inconexa, poco rigurosa. No aguanta el embate de un análisis serio desde un punto de vista filosófico, histórico, ni por supuesto estético.

El tercer pilar de su agonía es que el gran público pierda el miedo a opinar que hasta ahora atenazaba sus voces, y mantenía secuestrado el debate sobre arte contemporáneo. Temen a la gente, a que haya una rebelión contra el status quo ya consumado. También un aumento en la agresividad de los creyentes es aquí síntoma de su miedo: si antes se conformaban con decir "tú no entiendes y yo sí", ahora directamente pasan a insultar al público, llamando cateto, pailán o directamente imbécil a quien ose cuestionar sus dogmas de fe sagrados.



Pero los síntomas hablan por sí mismos: por el nivel de enfado que ahora están empezando a mostrar públicamente, por esa pérdida del autocontrol, parece que su fin es más inminente de lo que todos nosotros habíamos especulado.

3 de marzo de 2009 10:54

Así que, si queremos contribuir a que las palabras "arte" y "contemporáneo" juntas dejen de inspirar desconfianza, tenemos tres medios a nuestro alcance:

1. Público: opinad libremente sobre arte, basta con que seáis sinceros.
2. Críticos, Historiadores, teóricos...: escribid libremente sobre arte, basta con que seáis sinceros.
3. Pintores: pintad libremente, haced arte, basta con que seáis sinceros.

Poco importa que lo dicho sea afín al Hartismo o no, el simple hecho de decir algo diferente de la versión oficial, de hacer uso del propio cerebro es suficiente. Nada les jode más.

Entrevista a Avelina Lésper

Os traemos hoy aquí una entrevista que se puede leer también en el blog de Avelina Lésper. La propia Avelina responde con honestidad y valentía a muy diversas cuestiones sobre el arte mexicano, pero que son aplicables a cualquier país.

ENTREVISTA EN HECHO EN OAXACA

Avelina y Basquiat de fondo.

Esta entrevista me la realizó Saúl Hernández, artista del grupo HechoenOaxaca y está publicada también en su sitio de internet con el mismo nombre.

SH: ¿Qué piensas del estado actual de la crítica de arte en México?

AL: ¿Cual crítica? En México con que les des a los críticos una visita guiada como presume Teresa del Conde, los compras, las galerías basta que los inviten al coctel y firman lo que sea. Eso le hace daño al arte, al público y a la sociedad. La complacencia no aporta, crea un ambiente de perpetuo estancamiento. Aquí la gente escribe para caer bien, para que crean que es “buena persona”, no para analizar, confrontar y aportar una visión distinta. La crítica no es para crear una red de intereses o amistades, es para crear ideas que impulsen a la evolución. El papel de la crítica es darle un espejo al arte donde vea con otra perspectiva la obra y pueda orientar o afirmar su camino.

SH: “A casi un siglo del inicio del Dadá todas las formas del arte contemporáneo siguen alimentándose de esta mina agotada. Entre 1916 y 1922 en que surgió y se extinguió el dadaísmo, se crearon las formas artísticas que hoy siguen imitando sin aportar evolución o superación y sin el riesgo y osadía que si tuvieron los dadaístas. Mientras que el dadaísmo era protesta y trasgresión, manifestándose como el anti-arte, hoy todo es arte y nada transgrede.” Como tú dirías, ¿”la transgresión ha muerto”?

AL: Transgresor lo que hacen en Hecho en Oaxaca. Lo que vemos en todos los museos oficiales y las galerías que viven de ellos es la muerte de la transgresión. Lo que antes era transgresión hoy es el arte oficial y burgués.
El arte no es una misión es un hobby de gente que hace negocio y de oportunistas que venden su falta de talento como obras “contemporáneas y conceptuales”. La provocación gratuita no es transgresión es exhibicionismo. Hoy no cuestionan, no aportan formas nuevas ni filosóficas ni estéticas, creen que el circo y la miseria de ideas es revolucionario y en realidad es conformista, encierra la cobardía de ser creadores y enfrentarse con su falta de talento, sus resultados y lo que sería su verdadera obra. No han asesinado a la pintura, mataron “su” pintura. No es secreto que Hirst es pésimo pintor, sus cuadros están ahí para probarlo, la mega expo de Orozco no tenía pintura, lo hacen porque esas son sus limitaciones, son parte de un sistema de mercado. No hay transgresión, hay mercantilismo entre las galerías y los museos oficiales. Hoy la transgresión es pintar un buen cuadro, hacer un grabado; es decir, el verdadero arte es el único que transgrede.


SH: “El arte contemporáneo no habla de la sociedad más que el “arte tradicional”, las obras del Barroco son brutales, los personajes del Caravaggio están sucios, enfermos, miserables y conmueven por su realismo. Esas obras se hicieron para el público, para estremecerlo, para convencerlo y se arrodillaron ante ellas, hoy nos piden que nos arrodillemos ante las pelotas de Orozco.” En tus textos son obvios los “cuestionamientos” al arte conceptual al arte que pondera el discurso, ¿no crees que el arte se ha complejizado de la misma manera que lo han hecho las sociedades?

AL: Para nada, sociedades complejas las de antes, que llegaba la peste y se morían 100 mil personas de un golpe. Justamente porque tenemos una sociedad que nos da todo digerido, que nos arropa con exceso y con psicólogos que justifican cualquier horror, tenemos la mierda de arte contemporáneo que tenemos. Botero dice que estamos viviendo el peor momento de arte y tiene razón. Hemos perdido el concepto de grandeza, creemos que cualquier simpleza es valor, y además hay una gran cobardía de llamar a las cosas por su nombre. Es esquizofrénico que veamos una pila de basura, la tengamos que admirar y darle un valor que no tiene, sólo porque alguien que desprecia la belleza y el arte, la disciplina y la voluntad creadora lo llama arte. Eso no es ni complejo, ni artístico, es cobarde. Y los discursos de curadores y críticos que amparan esto más que complejos son pueriles porque creen que les creemos. No existe discurso capaz de cambiar lo que vemos.

SH: ¿Qué es arte contemporáneo?

AL: Mira, en New York hay un museo que se llama “New new”, a mi me mata de risa, ese es el gran valor: ser nuevo nuevo. Y en este museo sólo sus objetos son arte contemporáneo “de ahorita” y no se refieren al arte que este haciendo Lucien Freud, para nada, entra gente de este minuto que haga cosas conceptuales. Si eres pintor o grabador, dibujante, con lenguaje, obra, técnica, estilo y estás vivo, no eres contemporáneo, eso me parece el colmo de la estulticia y la mediocridad. El “arte contemporáneo” es ése que desprecia a la pintura aunque sea totalmente contemporánea. Ese desprecio es miedo, como todos los desprecios, porque saben que si pones una gran pintura junto de una pila de ropa sucia la gente va a mirar la pintura.

SH: ¿Por qué crees que los curadores han adquirido tanta importancia?

AL: Porque son parte de este entramado de corrupción. Y son indispensables para que este reinado de los mediocres sobreviva. Ellos aportan discursos, explicaciones y recursos para que obras como las que vemos en el MUAC tengan una razón para estar y existir. Desde la Antigua Babilonia la prostitución no había estado tan bien integrada a la sociedad y con un aire intelectual y respetable. Los curadores han deformado el concepto y la misión del arte, eso es un crimen, son auténticos mercenarios, matan a sueldo y en este caso la víctima es el arte. Le dan discurso a esta multitud de mediocres para que entren en un museo. Y los “artistas” que dependen de ellos les dan todo el poder sobre su obra. La siguiente fase ya entró: los curadores no necesitan a los artistas, como lo podemos ver en las bienales que las montan sin artistas. Los curadores son un cáncer, y tú sabes cómo se atacan a estas enfermedades.

SH: “Es cuando vemos que la tradición del mecenazgo sigue siendo necesaria. La libertad del artista en su trabajo es fundamental, la relación ética entre el mecenas y al artista debe ser parte del contrato. Los dueños del dinero y el Estado deben seguir el ejemplo de las cortesanas, que de la misma forma en que dieron su cuerpo dieron su apoyo al arte, con la certeza de que eso las haría grandes, no su amo.” ¿Qué piensas del mecenazgo del Estado, de las becas específicamente?

AL: Yo le quitaba la beca a más del 80% de la gente que la tiene. Los jurados que las otorgan son burócratas semi analfabetos al servicio de las galerías para becar a su establo de artistas. Las becas se las deben otorgar a proyectos como Hecho en Oaxaca y otros que son desconocidos para la burocracia de Vela y las fundaciones privadas. Conozco grabadores que son unos maestros y nunca les han otorgado una beca y veo que gente que hace “instalaciones sonoras” tiene becas, gente que hace performance etc. están becados. En general este arte como es nada y no aporta para que esta sociedad sea más inteligente es muy cómodo para el poder, al oficialismo le convienen estos artistas sin talento porque no cuestionan nada ni crean conciencia ni impacto, entonces les paga para que existan. Eso del Carrilo Gil con BBVA, entró gente por invitación y todo es instalación, etc. y discursos. ¿Por qué no abierto y a concurso? Si tú eres hoy escultor y tallas un mármol o haces un dibujo con tu vida y con talento ¿Por qué no puedes entrar? Porque hay que matar de hambre a los verdaderos artistas. Estas becas son alimento de buitres.

SH: En “Jueces y verdugos” señalas lo pobre de la selección en la última edición de la Bienal Rufino Tamayo, ¿qué otra lectura puede darse? ¿Cuál es el estado de salud de la pintura en México y/o de las instituciones educativas (la Esmeralda o la ENAP, por ejemplo)?

AL: México tiene grandes pintores y no están en la Bienal porque la Pimentel y sus amigos no quieren a la pintura, el anti-arte y sus speech makers hacen todo por arrinconarla y alejarla de los museos y premios. Aceves Humana era ahí un oasis en el desierto. La pérdida de visión de las escuelas es un problema porque están trabajando para darle artistas a las galerías que hacen negocio con los museos. La ENAP no hace un examen de dibujo para entrar ¿Cómo es que es una escuela de arte? ¿Cómo detecta si alguien tiene talento? La UAM va a quitar la case de dibujo y la va a cambiar por una de retorica para que puedan armar su propio discurso (esto va a dejar sin trabajo a los curadores), la Esmeralda está dando clases de las nuevas tendencias. Las escuelas no pueden alejarse de los principios básicos, los alumnos tienen que aprender a dibujar al natural perfectamente, tienen que dominar todas las técnicas de pintura, tienen que esculpir en mármol y hacer un bronce, modelar en barro, y si después de esto hacen una instalación, pues ya que remedio. Las escuelas deben de estar consientes que el futuro y la supervivencia del arte esta en la formación, que alentar la mediocridad paga un precio muy alto, un día estos artistas conceptuales van a ser los directores de las escuelas y en lugar de grabado en bronce van a enseñar a recolectar tapitas de refrescos y hacer una “obra”. La próxima Bienal Tamayo organicemos una muestra de los rechazados para demostrar que es deliberado que lo elegido es en deterioro de la pintura.

SH: ¿Crees que de existir una crítica “sensata”, existiría —también— un mercado y públicos distintos, es decir, capaces de justipreciar y discernir entre una obra de arte y otro bien simbólico de menor talla?

AL: La crítica, el mercado y el público que le gusta este “arte contemporáneo” son una mafia, son un grupo elitista que está de espaldas al otro público, el gran público, otra sociedad que sí quiere ver y necesita de arte verdadero. En la medida en que exista una crítica real, que cuestione lo que vemos, creará una fuerza que le de valor al público de decir “no me gusta”. Eso ahora es un tabú, porque si lo dices te tachan de ignorante o que no entiendes y esto atemoriza al público. Cuando la crítica diga la verdad y deje de tener un precio que pagan fácilmente las galerías y los museos, esto evolucionará más rápidamente y las obras conceptuales tendrán su valor real: ninguno.


SH: ¿Crees que la actual crisis económica sea una bocanada de aire fresco para el arte contemporáneo?

AL: Definitivamente, con este boom sucedió un fenómeno, los nuevos ricos que se hicieron a la sombra de estos fraudes millonarios de bancos y casas de bolsa son los principales compradores de este arte contemporáneo sin calidad. Y fueron compradores por una sencilla razón, el alarde más grande de riqueza no es comprar cosas de valor, es comprar algo que no vale nada y pagar precios estratosféricos por eso. Así se convirtió en un símbolo de status comprar unos frasquitos de medicinas por cientos de miles de libras y comprar la ropa interior sucia de Tracy Emin por otros miles. Con este desplome económico lo primero que sucede es la contracción. En la última feria de Art Basel de Miami los galeristas decidieron llevar obras de valor seguro “para atraer a los coleccionistas de toda la vida, los nuevos ricos no vienen”. Y así fue, lo que más se vendió fue pintura y artistas como Walton Ford se revaloraron. Esto y la vuelta a la realidad, ver que así como había dinero ficticio hay arte ficticio va a permitir que los artistas verdaderos ocupen su sitio. Y ya entonces podremos llevar a la basura miles de obras que nadie va a extrañar.

Avelina Lésper es crítica de arte y pertenece al Movimiento Hartista, lo cual nos hace sentir muy orgullosos.